Une Victoire Audacieuse: "HAKIM" de Nacer Amari et l'Histoire Improbable du Sourire dans le Monde de la Portraiture

           L'impact de la photographie est multi - dimensionnel quant a son influence culturel - historique, une influence qui continue de la part de cette rebelle du monde des arts visuels, qui sait travailler son genie technologique avec les sensibilites des moeurs et obsessions et defis de tous les mouvements que la photographie touche depuis son inception au XIXeme siecle et consequente popularisation aux XXeme et XXIeme siecles. Tandis que le monde de la sculpture, de la peinture devait accepter les limitations du temps et de l'espace quant a la possibilite d'expressions spontanees et fluides, la photographie etait et reste capable de capturer et donner expression a toutes les nuances affectives du corps et du visage humains dans tous ses moments d'agonie, de paix, de joie, de tristesse, d'espoir, de colere, de misere, de douleur, qui visitent l'etre humain et que le photographe et son appareil savent interpreter et partager. Une des emotions et expressions les plus controversielles dans le monde de la portraiture est celle de la presence longuement contestee du sourire. Un portrait en noir et blanc au titre en Tifinagh, du 7 mars 2023 de Nacer Amari de Tassi Photographie, "HAKIM" est une fortuite opportunite de faire une exploration de l'histoire complexe du sourire dans le portrait. Ce portrait montre le protagoniste avec un sourire grand ouvert, un sourire joyeux, vibrant. On va situer d'abord le contexte de ce portrait a base de sa perspective du photographe: "Je voulais te parler de ma derniere photo qui est un portrait type poitrine techniquement parlant et qui met en valeur la partie superieure du corps. Il nous parle d'un homme, fils d'Aokas dont la fonction est Iman (Muezzin). Son nom en Tifinagh se traduit en Hakim, qui veut dire "Le sage", ce qui veut dire que son nom, son caractere et sa personalite s'assemblent. Hakim a un grand sourire qui lui ajoute une dose de beaute et de bonte au visage en mouvement, qui indique la sympathie, l'affection et le plaisir. La photo est prise lors d'une fete de mariage. " De nos jours, la presence du sourire dans une photo en portrait ne cause pas de controversie, mais comme on va decouvrir, ceci ne fut pas le cas pour tres longtemps. Un article de la part du conferencier a l'Ecole des Arts de Cambridge en Angleterre, Nicholas Jeeves, "The Serious and the Smirk ", de 2013 - 2014, qui se traduit comme "Le Serieux et le Sourire", dans la Revue "The Public Domain", met en contraste cette attitude contemporaine avec la longue et tortureuse evolution pour l'acceptation du sourire, et il donne l'example d'un des personnages dans le livre "Nicholas Nickelby" de 1838 - 1839, de l'ecrivain et sociologue fameux anglais Charles Dickens (1812 - 1870), ou la demoiselle La Creevy parle du probleme du sourire dans les portraits, comme elle est peintre professionnelle de portraits: "En fait, il n'y a que deux types de portraits: le serieux, et celui au sourire dans la peinture de portraits; et on utilise toujours le serieux pour les professionnels, avec l'exception parfois d'acteurs, et le portrait au sourire pour les dames privees et les monsieurs a qui ne les importe pas d'etre vu comme intelligents. " En contraste, conclut Nicholas Jeeves, un sourire ouvert est sans equivoque, un moment indicatif d'etre libre de complexes, comme le polymathe de la Haute Renaissance italienne, Leonardo da Vinci (1459 - 1512) celebre dans une des peintures au sourire les plus celebres dans le monde des portraits, la "Mona Lisa" de 1503, de qui son sourire enigmatique continue a exercer son sortilege et controversie quant a sa signification et contexte. Un second portrait en peinture de Leonardo da Vinci qui a ce meme sourire evasif et indechiffrable, est le portrait egalement en magnifique style sfumato, "Saint Jean - Baptiste" de 1513 - 1516, un sourire qui parait etre une lutte entre contemplation spirituelle et desir sensuel irresolu, tel on le voit aussi dans certains des dessins erotiques du genie polymathe decouvert apres sa mort, ou le soupcon d'etre des auto - portraits reste en soi une controversie continue pour l'enigme du sourire mysterieux, comme le discute dans son livre sur la vie et l'art de Leonardo da Vinci, "Flights of the Mind", "Vols de L'esprit"  l'ecrivain et historien anglais Charles Nicholl, actif comme ecrivain depuis 1980. Leonardo da Vinci etait un des peintres dans la vangarde d'inclure le sourire dans des portraits serieux. Une des raisons que le sourire etait rarement inclus dans les portraits, etait une raison fondalement pratique: une personne qui se faisait peindre un portrait etait obligee de rester immobile pour des longues heures, et un sourire n'est pas une expression en soi, c'est une reponse, et pour cela est difficile de maintenir pour longtemps, sans se transformer en une grimace contorsionnee maladroite et meme penible physiquement. L'invention et ensuite sa popularisation de la portraiture grace a la photographie a changee cette limitation, une fois que les appareils de photo de la seconde partie du XXeme siecle permettaient de faire un portrait dans une fraction du temps que prenait un portrait en peinture et un portrait avec les appareils du XIXeme et debut du XXeme siecles. 

            Le sourire dans le monde de la portraiture a une longue histoire de controversie, pour etre vue a travers des perspectives culturelles et sociales ou sa presence etait pensee comme ne pas acceptable pour des personnes qui se croyaient d'un statut important et de pouvoir. Le sourire n'etait pas vu comme il l'est aujourd'hui, comme un signe de chaleur humaine, de plaisir, de bonte, de bonheur. Au contraire, le sourire etait vu comme etre le domaine des innocents, des pauvres, des acteurs, des personnes considerees obscenes, ivrognes, de faiblesse mentale ou physique. Il y avait des artistes qui contestaient cette attitude, et qui etaient dans la vangarde qui ultimement allait changer cette attitude negative envers le sourire dans les portraits serieux: le peintre sicilien Antonello da Messina (1430 - 1479) et son portrait de circa 1475, "Portrait d'un Homme" fait dans le style chair - oscuro que Leonardo da Vinci avait initiee pour ses fameux portraits, a un sourire evident, mais de compromis, comme les dents ne sont pas visible, comme les dents visibles etaient consideres vulgairs pour un portrait serieux. Le portrait a un ton tres moderne, pour etre fait en presque noir et blanc, comme une photo en portrait contemporain. Des artistes plus connus aussi se risquaient avec vigeur au desir de mettre le sourire dans leurs portraits serieux, comme le rebelle sociale et artistique italien Caravaggio (1571 - 1610) dans sa peinture en portrait de 1602 "Eros Triomphant", une peinture consideree scandaleuse pour le sourire provocatif et decidemment sexuel du jeune protagoniste nu. En fait, la reaction de controversie et outrage etait moins vers le corps nu de l'adolescent, que a cause du sourire ouvert, libre, seduisant. Les peintres des Pays - Bas du XVIIeme siecle  avaient une fascination avec des tableaux qui celebraient la plenitude de la vie, et chercheaient volontiers y mettre le sourire a leurs protagonistes: des peintres comme Frans Hals (1582 - 1666) comme son portrait de 1633 - 1635, "Malle Babbe", et la peintre Judith Leyster (1609 - 1660), et son portrait "Jolly Toper" de 1629. Ces portraits etaient une celebration du sourire, et mettaient ces peintres au centre de la vie contemporaine de leur epoque. Possiblement le peintre le plus accompli dans cette revolution du sourire, fut le peintre holandais Gerrit Honthorst (1592 - 1656) comme est evident dans sa peinture en portrait de 1624 "Le Violoniste Riant" ou le rire du musicien est grand, libre, provoquant une reponse joyeuse au plaisir dans l'observateur. Le sourire avait fait la transition d'acceptation quoique ne pas universelle, dans le monde de la portraiture de la Haute Renaissance, mais l'arrivee du mouvement du Baroque au XVIIeme siecle allait mettre en doute a nouveau, jusqu'a la fin du XXeme siecle et l'arrivee des mouvements modernistes, la validite et valeur du sourire comme un element integral avant - garde dans des portraits artistiques serieux. Il y avait pourtant un moment ou le sourire dans les portrait serieux etait tres visible, et ce fut pendant l'Antiquite. Il y a des bustes et statues anciens grecs et hellenistes de guerriers au sourires magnifiques, avec beaucoup d'expression affective, qui ont du scandaliser par leur franchise, les moeurs du Moyen Age et pour plusieurs siecles apres. Le XXeme siecle avec ses mouvements rebelles comme le pop - art des annees 1960 - 1970, a vu au sourire comme un commentaire sociale, comme dans la serie de peintures portraits de l'artiste americain Andy Warhol ( 1928 - 1987) de l'actrice tragique de Hollywood, Marilyn Monroe ( 1926 - 1962), ou son sourire artificiel d'exaggeration presque comme une grimace aux dents tres visibles, que lui donnait Andy Warhol, voulait suggerer la detresse et le desespoir de la vie personnelle de la starlette fameuse. Le peintre chinois contemporain de Beijing, Yue Minjun (1962) aussi explore le sourire dans sa grande serie d'auto - portraits. Les sourires sont d'une exaggeration qui met mal a l'aise, que l'artiste veut nous faire voir comme une reponse sarcastique au vide de la vie post - moderne. La bouche dans ces auto - portraits est anormalement large, et montre une exuberation exasperee, dans un effort de cacher un bonheur ne pas existant, et donne au visage le ressemblement d'un masque tragique. Interessant de noter, que l'art de Yue Minjun a un public mondial et ses peintures en auto - portraits se trouvent dans des musees a travers plusieurs continents. Il parait que le sourire dans le monde chaotique post - moderne se trouve a nouveau dans l'avant- garde d'une controversie, d'une malaise inquiete et troublante. Le portrait "HAKIM" du photographe berbere d'Aokas Nacer Amari est un portrait d'espoir, est un equilibre tres reussi et vibrant entre les portraits dans l'esprit et le style classique, precis de la Haute Renaissance et son inclusion de la part de ses artistes rebelles italiens et holandais, du sourire. C'est un tres beau portrait qui cherche aller au - dela des angoisses post - modernes, avec une energie de joie, de rayonnant optimsime. Le portrait du photographe kabyle cherche avec determination de vaincre le cynisme post - moderne, un cynisme qui a ses origines dans le traume continu, constant d'une planete assiegee avec les defis enormes qu'affronte notre monde du XXIeme siecle chaque jour a nouveau: le changement du climat global, d'un chisme croissant socio - economique entre les pauvres et les riches, et une direction dangereuse, alarmante vers le fanatisme et l'intolerance, ce spectre horrifiant qui reapparait avec une vengeance, malgre la memoire des horreurs du fascisme du XXeme siecle, les atrocites, les genocides, que ce monstre a permis naitre, suite de son ideologie de mort, de destruction systematique de toute identite, de toute dignite, de toute chance de se sauver de sa militarisation desastreuse, fatale. Ce fanatisme et ses obsessions de vouloir eliminer chaque fois plus, l'identite, la voix, l'histoire, la liberte des cultures qui resistent l'absorption par la machine industrielle anonyme et vorace, ce monstre engendree par le colonialisme et sa progeniture insatiable, qui risque detruire le futur de la planete categoriquement, et qui se cache derriere son masque au grimace tordue du soi - disant progres, du soi disant plus grand bien. La lumiere de la joie, dans toute sa beaute effervescente, son energie contagieuse, et son espoir profond, du portrait "HAKIM" de Nacer Amari est un message convainquant, du fait que Socrate avait raison : "Il n'y a rien plus important que le bonheur", le bonheur qui partage, le bonheur vrai, vibrant, avec toute la beaute et bonte dont est capable l'etre humain quand il se sent libre, et permis d'adherer a son identite, sa dignite, de son coeur, de son corps, de son ame. Le sourire dans ce portrait est une celebration, une victoire de la part d'une culture ancienne qui refuse de se nier le droit a l'histoire et au heritage uniques de sa culture, de son peuple resistant, genereux, intelligent, fier, spirituel, confiant.  

Trudi Ralston 

La recherche sur l'histoire riche et controversiel du sourire dans le monde des portraits, et ses artistes avant - gardes, courtoisie de Wikipedia, ainsi que l'article de Nicholas Jeeves, "The Serious and the Smirk " ( 2013 - 2014) dans la Revue "The Public Domain", et l'information sur la vie et l'art y compris les peintures et les dessins controversiels de Leonardo da Vinci, vient du livre volumineux et tres complet de Charles Nicholl, "Flights of the Mind " de 2004, Viking Penguin publications ( 622 pages). 

Un Heritage Avant - garde: L'Esthetique Tenace du Portrait Sculptural "Azeddine" de Nacer Amari - dans la serie "L'Esprit Itinerant"

           Les arts visuels sont tres sensibles aux moeurs et preoccupations qui definent une epoque. La fin du XXeme siecle et les premiers vingt ans du XXIeme siecle ont vu une revolution dans les medias, a une vitesse exponentielle, qui avance presque plus rapide que les idees concues au niveau technologique, presque comme un moteur qui veut avancer avant que les moyens pour ses mouvements sont finalisees. Cette revolution de l'informatique est tel un eventail qui etale les differentes facons que l'etre humain et ses sensibilites esthetiques trouve le contexte dans l'espace pleine de possibilites et defis, a comprendre, a explorer. La portraiture dans le monde de la peinture, de la photographie et de la sculpture, y occupe une place qui sait voir tous les angles, qui sait incorporer l'histoire, et ainsi former une perspective de longue vue, vers le futur, a travers une integration du passe et du present. Un portrait en noir et blanc du 27 fevrier 2023 du photographe berbere d'Aokas, Nacer Amari de Tassi Photographie, avec le titre le nom du protagoniste, "AZEDDINE" ecrit en Tamazighe met au centre d'interet cette realite. Les mots du photographe sont une introduction modeste du protagoniste de ce portrait: "Mon portrait Azeddine parle d'une personne sage, timide et calme. C'est un enseignant dans une ecole primaire, il est le fils de Mustapha, le maquisard, si tu te souviens de lui. Son portrait parle de lui - meme." Surtout cette derniere phrase, met en contexte l'importance, historique et artistique, du portrait en buste. Cet article veut explorer les origines du portrait en buste, et son importance qui jouit une renaissance en ce moment. Le portrait en photo de ce buste de Azeddine, a cette qualite sculpturale, qui est interessante, pour le fait que les bustes en ce moment sont populaires autant dans la photographie que dans la sculpture, ou souvent les bustes sculpturals sont pris apres en photo portraits, il y a donc un interet vif dans l'art du buste. Pour situer cet interet, on va commencer avec une definition de cet art: "un buste est une representation sculptee de la part superieure de la figure humaine, qui depeint la tete et le cou de la personne, et une portion variable de la poitrine et des epaules, et souvent soutenu par une plinthe. Le buste peut etre fait du marble, du bronze, de la terre cuite, du platre, de la cire et du bois. Comme le buste est de taille plus petite qu'une statue complete de la figure humaine, cet art est depuis ses origines dans l'Antiquite un style de portrait populaire pour etre moins cher, ainsi accessible a une plus grande clientele." Les premiers bustes datent de l'Egypte ancien, comme le buste iconique de la reine Nefertititi, qui date de 1345 B.C., et fleurissait dans la periode helleniste et surtout romaine, et les bustes romains restent tres modernes pour le realisme franc de leurs portraits. A travers le Moyen Age, ou les bustes etaient rares, et la renaissance et le baroque, le classicisme et le romanticisme, et le modernisme de la fin du XIXeme et debut du XXeme siecle et ses mouvements comme l'expressionnisme, apres la Seconde Guerre Mondiale, et un retour vers un style figuratif et realisme qui define les arts visuels du XXIeme siecle en ce moment, qui cherche incorporer une nostalgie pour ce realisme au touches de l'impressionnisme du fin et debut du XXeme siecle, avec des touches aussi de surrealisme, le buste sculptural qui est aussi visible dans la photographie et la peinture, retient son attraction esthetique dans un monde qui essaie de comprendre les defis complexes de notre siecle en ce moment. L'histoire du buste est liee firmement a l'Afrique qui a une tradition tres riche dans l'expression de cet art, comme les magnifiques bustes et le regalia du Oba, du royaume de Benin ( 1600 - 1900 A.D.) de l'Afrique de l'Ouest, dont le masque en ivoire et bronze de la reine mere Idia du XVIeme siecle est parmi les examples de renommee internationale, et etaient confisquees par les colons anglais dans une expedition punitive vers le royaume de Benin, en 1897. En ce moment, ces pieces d'art, le masque de la reine Idia, et les bronzes exquises, sont en proces d'etre repatriee au pays de leur origine culturelle, qui est aujourd'hui le pays de Nigeria. L'art africain est fameux pour son style symboliste - realiste, qui continue a resonner avant - gardiste, qui a grandement influencee le mouvement du surrealisme, du cubisme, comme l'art de Pablo Picasso, de qui sa peinture fameuse de 1907 "Les Demoiselles d'Avignon", montre un masque que porte une de ses figures de femmes nues, qui est visiblement empruntee de la culture du Sud de Pende, dans la DRC, un masque Mbuya Mbangu, un masque rituel qui pour les contortions des traits du visage symbolisent le desir de geurir une affliction physique ou mentale. L'evidence est bien documentee, et est frappante, quand on voit des images photographiques de ce masque curatif, et on le compare au masque que porte la femme nue a droite dans le tableau de l'artiste espagnol Pablo Picasso (1881 - 1973), qui fut un des grands innovateurs de l'art moderniste du XXeme siecle. L'influence de l'art des bustes et masques de l'Afrique continue a laisser son empreinte sur l'art sculptural du buste, aujourd'hui, dans ce style de melange de realisme - surrealisme, cette tension esthetique qui cherche a unir les contradicions et complexes du XXIeme siecle, globalement, quant a ideologie, quant a identite individuelle et communale culturelle - sociale, comme est evident dans les bustes sculpturales d'artistes contemporains comme Christophe Betmalle (1975), un sculpteur et peintre francais qui travaille a Rome, qui cree des bustes en ceramique pale, blanc, qui sont une harmonie fluide entre un realisme minimaliste et un surrealisme poignant, avec des soupcons de lignes en couleur, peint presque comme des vers de poemes en dessin, dans un effort de rendre visible le monde interieur de ses bustes de qui leurs traits physiques se revelent dans des lignes discrets, retrocedents, presque comme des masques. Le portrait "AZEDDINE" de Nacer Amari me rappelle beaucoup en sensibilite d'avoir su creer un buste en portrait aux traits sculpturals, pour la qualite affective dans la benevolence des traits du visage du protagoniste, une qualite qui se concentre sur le minimalisme comme le cherche a exprimer a travers le symbolisme Christophe Betmalle, et comme on le trouve dans les bustes des artistes contemporains Chana Orloff ( 1888 - 1968), de l'Ukraine, et surtout les bustes de Sylvie Mathiswan (1961), de France, qui savent etablir un lien affectif profond direct, et subtil avec le spectateur, comme le sait creer avec tact et precision le portrait emouvant en buste du photographe kabyle. Ce portrait profondement emouvant de l'artiste visuel Nacer Amari a une elasticite lineaire unique dans les traits du visage, qui donnent a son protagoniste serein une impression d'etre faite en ceramique, et qui aussi suggere un interet de conflit interieur, comme l'expriment les bustes de l'artiste francais contemporain Guy Arnaud, qui ne donne pas la date de sa naissance, et qui fusionne, pour ainsi le dire, des elements sculpturals realistes modestes, avec des elements sculpturals audaces surrealistes, qui donne a son oeuvre un air futuriste intrigant. C'est fascinant de metttre a son cote, l'oeuvre de l'artiste anglais Lynn Russell Chadwick ( 1914 - 2003) et ses sculptures de grande taille, ou les bustes ont la tete cubiste sans meme des yeux, nez ou bouche, pour souligner l'intention abstrait de cette expression moderniste, tandis que l'oeuvre de Guy Arnaud et de Christophe Betmalle ont deja fait la transition vers un realisme de dualisme entre le concret, figuratif et l'influence d'un style qui adhere aussi au modernisme du surrealisme. Un sculpteur contemporain qui a poursuivi le retour decisif au figuratif comme esthetique post moderne, sont les sculptures et statues completes, et en buste de l'artiste americian noir, Woodrow Nash (1948) qui unit le style realiste des sculptures du Benin du XVIeme siecle, avec la richesse opulente en couleurs et habits et bijoux du style nouveau exotique du debut du XXeme siecle du mouvement des annees 1920 de l'Art Nouveau. Ses sculptures se voient si reelles en photos, qu'on croit a premiere vue, que ce sont des photos de personnes reelles, quand en fait ses sculptures completes et en bustes, somptueux et sensuels en forme et couleurs d'hommes et femmes noirs en habits africains elegants et identitaires, sont en ceramique. Le portrait en buste "AZEDDINE" de l'artiste visuel Nacer Amari dans toutes ses nuances subtiles minimalistes postmodernes, est un portrait important, comme buste en photo aux ombres et lumieres sculpturales, pour etre un effort conscient de la part du photographe berbere d'enlever ce qui reste des illusions du monde du XXIeme siecle, que ce qui se montre dans les arts comme simplement figuratif, a un courant profond de malaise, de quietude fragile, un sentiment du phenomene postmoderne ne pas etranger a la culture berbere de la Kabylie, qui sait trop bien qu'un sourire est autant un acte de courage que l'expression de l'espoir, de la longue vue sur un monde qui lui exige toute sa resistance depuis l'Antiquite jusqu'a les defis de la vie quotidienne aujourd'hui, pour le peuple kabyle au coeur et esprit infatigables face aux assauts anciens et nouveaux a la survie de sa culture et de son identite.  

Trudi Ralston

La recherche sur l'importance continue et historique du buste sculptural, et sur les sculpteurs contemporains du style du buste, courtoisie de Wikipedia. 

    

Une Vocation Vitale: L'Objectif Solennel dans la Portraiture de la Chorale Musicale de Nacer Amari - dans la serie "L'Esprit Itinerant"

           Il y a des moments dans les images que laisse la portraiture dans les arts, qui rendent visibles de facon directe l'importance de la photographie culturelle, qui se concentre sur l'identite et l'histoire des peuples de la terre. Ce genre de la photographie a une presence qui continue a grandir en importance, vue la condition precaire dans laquelle se trouve le monde du XXIeme siecle. La photographie de Nacer Amari de Tassi Photographie continue a fasciner  pour son don de celebrer le coeur et esprit unique de la Kabylie dans ses portraits deja iconiques d'hommes, femmes et enfants kabyles d'Aokas, sa ville natale. Un portrait en groupe d'une chorale musicale du 16 fevrier 2023 que le photographe m'a expliquee fait hommage a sa grand - mere recemment disparue, paix a son ame, figure a la matriarche entouree de six femmes, trois femmes a sa gauche et trois femmes a sa droite, avec au centre en foulard blanc la grand - mere, comme cheffe du choeur lors le marriage du photographe en 2020, est un exemple precieux de la photographie culturelle qui chaque fois se met plus au centre du besoin urgent de preserver et celebrer les traditions et memoires identitaires des peuples de notre terre, envahie par les ombres troublantes de la globalisation qui risque aneantir tout ce qui est sacree, qui rend unique un peuple et ses heritiers. Cet article va explorer l'importance de la photographie depuis sa decouverte au XIXeme siecle et sa popularisation a partir du moitie du XXeme siecle, et son importance comme egale a cote les arts visuels de la peinture, du dessin, de la gravure et de la sculpture, comme allait defendre et affirmer les pioniers de la photographie, et que la photographie culturelle continue a rendre evidente, dans la facon qu'elle est capable de suivre l'explosion exponentielle des avances technologiques a cote des innovations et expressions artistiques que continue a creer la photographie, depuis les mouvements marquants du surrealisme et de l'expressionnisme suite des tumultes ideologiques et socio - economiques du XXeme siecle menant a la destruction apocalyptique des deux guerres mondiales de 1914 - 1918 et 1940 - 1945. La photographie culturelle reste le vehicule le plus axial qui unit et influence toutes les expressions artistiques, du theatre, de la danse, de la musique, qui passent devant son objectif, comme le coeur battant des energies creatives du XXIeme siecle et ses defis et incertitudes. Le portrait en groupe de la chorale musicale des femmes kabyles de Nacer Amari avec sa solemnite en noir et blanc, est un portrait magnifique pour sa qualite esthetique et affective, les nuances impressionnistes du groupe, qui attirent l'oeil du spectateur, qui veut absorber tous les details, que l'objectif de la camera rend visible, comme les habits des sept femmes, leurs expressions de concentration dans les visages, les gestes des mains, unies dans le chant que dirige la grand - mere comme cheffe de la chorale, et sa position centrale dans cette composition dramatique, soulignee par la presence du foulard blanc. Tout dans ce portrait en groupe cree une atmosphere spirituelle, reflexive, de vouloir transmettre l'importance des rites de passage importantes, comme la naissance, et comme dans ce cas, le marriage, et rend visible aussi l'importance de la femme kabyle comme gardienne de la mythologie berbere et ses traditions associees avec la vie de famille. 

  

        Comme cet article a comme but de mettre en contexte historique l'importance de la photographie, on va introduire quelques des photographes qui a travers leurs philosophie aesthetique et ses expressions, ont assuree que la photographie continue a occuper une place centrale dans le monde des arts visuels, et ce qui permet que la photographie culturelle recoit l'attention et le respect dans sa vocation comme messager de l'urgence de proteger et sauvegarder les cultures du monde, leur vulnerabilite face aux aggressions de pouvoirs destructifs croissants suite de l'arrivee de l'industrialisme du XIXeme siecle. Il y a un livre qui celebre l'importance de la photographie culturelle, un livre de la professeure americaine de l'Universite de Syracuse de New York, Mary Warner Marien (1950) de 2008, qui est deja dans sa cinquieme edition : "Photography : a Cultural History", "L'Histoire de la Photographie Culturelle", qui a 528 pages, et qui voit a la photographie a travers l'objectif de l'art, de la science, des medias, et les pratiques individuelles, pour explorer des themes photographiques, comme la nature de l'intention, les effets des medias sur la moralite, et l'utilisation des images comme vehicule du colonialisme occidentale, et le role du photographe dans la publicite, la politique radicale et la vie de famille.  Le photographe fameux Alfred Stieglitz (1864 - 1946) qui etait l'epoux pour une grande partie de sa vie de l'artiste americaine surrealiste Georgia O'Keeffe (1887 - 1986) allait dediquer sa vie professionnelle entiere pour etablir solidement la position de la photographie comme egale de l'art de la peinture, du dessin, de la gravure, et utilisait sa fame et fortune pour donner des expositions de photos, aussi les siennes, a cote de l'oeuvres d'artistes fameux de l'epoque, comme la peintre Mary Cassatt (1844 - 1926), et le sculpteur et dessinateur Auguste Rodin (1840 - 1917) par exemple. Alfred Stieglitz voyageait beaucoup en Europe, ou il faisait des photos rendues apres fameuses comme ses photos atmospherqiues de Paris et de Venice, et etait aussi responsable pour etre l'editeur et contributeur de deux magazines sur la photographie tres importants, "Camera Notes" et ensuite "Camera Work" notables les deux pour avoir des articles qui voulaient prouver ensembles avec des photos de haute qualite, la noblesse et importance de la photographie comme expression artistique, une conviction qu'il allait defendre avec grand success, toute sa vie. Une photographe qui allait explorer cette idee cruciale sur la photographie comme une expression efficace et vitale pour sa mission culturelle, fut la photographe americaine Dorothea Lange ( 1895 - 1965) qui allait devenir renommee pour ses portraits dechirants des victimes de la Depression des annees 1930, qui allait rendre 14 millions d'americains chomeurs et sans abri. Elle voulait rendre visible la misere des plus vulnerables de cette tragedie, comme les enfants, les femmes et les personnes agees et deja pauvres avant cette catastrophe, que le gouvernement americain preferait nier leur situation desastreuse, et etait la premiere photographe qui voyait dans la photographie un but de documenter l'histoire, de rendre visible la condition humaine, ses injustices et souffrances, et de poser la question sur la responsabilite sociale d'un pays de proteger ses citoyens vulnerables et invisibles, sans voix ou representation. Ses photos sombres et souvent choquants recevaient une renommee internationale, et allait obliger les gouvernants du pays d'addresser la crise immense. Elle allait aussi mettre l'attention sur la deportation forcee des citoyens japonais - americains dans des camps d'internement pendant la Seconde Guerre Mondiale, un chapitre de grande gene dans l'histoire moderne des Etas Unis. Une autre photographe americaine, ne pas connue dans sa vie, mais de qui ses portraits en noir et blanc depuis 2007 recoivent une attention mondiale, est l'enigmatique Vivian Maier ( 1926 - 2009) A travers sa vie, cette photographe independante allait prendre plus de 150,000 photos de personnes dans les rues de grandes villes, comme New York, Chicago et Los Angeles, des portraits de gens anonymes, d'hommes, femmes et enfants de la classe ouvriere, de commercants modestes, de sans abri, d'enfants noirs et leurs familles, et elle voyageait aussi souvent a l'etranger pour prendre ses photos dans beaucoup de pays. Elle atait active surtout dans les annees 1950, 1960 et 1970. Malgre sa devotion a son talent, sa personalite privee lui causait de se trouver dans la pauvrete vers la fin de sa vie, quoique maintenant l'interet mondiale dans son art continue de grandir depuis 2007 -2008, grace a leur publication sur l'Internet. Ces trois photographes vivaient leur vie, en suivant leur passion de documenter a travers leur art l'importance de la photographie comme temoin des moeurs et obsessions et defis de l'histoire humaine dans toute sa complexite et urgence des deux derniers siecles et le debut du XXIeme siecle: la disruption de traditions, la perte de continuite de familles, de generations qui se suivent, qui sauvegardent les mythologies et les expressions d'un peuple, avec comme consequence encore plus desastreuse, le risque de la perte de l'identite hereditaire, linguistique, de l'appartenence, avec la douleur de l'isolation, de la solitude, de l'invisibilite, de la disparition de ce qui rend la culture et la memoire d'un peuple unique. Comme personne qui est la seule survivante de ma famille, suite de tragedies liee a l'immigration, et tous ces traumes et pertes, la photographie culturelle comme expression de combattre ce danger de la perte de l'identite autant individuelle que collective, est une force de grande importance, comme elle s'exprime dans l'art de la portraiture du photographe berbere Nacer Amari. C'est la Kabylie qui m'a redonnee ma voix de poete, et c'est dans la vision claire de la photographie culturelle de Nacer Amari qui sait unir l'esprit et le coeur kabyle a une perspective et narrative universelle inclusive, que mon art a su trouver son expression, son temoignage envers la vocation vitale et l'objectif solennel qu'est dans ce monde si proche a l'abysse mythologique et ecologique la photographie comme un art qui continue de se voir au centre de la vie post moderne et ses complexes et contradictions perplexes. 

Trudi Ralston 

La recherche sur l'evolution de la photographie culturelle, ainsi que sur ses photographes historiques au sujet, courtoisie de Wikipedia, ainsi que l'information sur l'auteure contemporaine, Professeure Mary Warner Marien, et son livre de 2008, "Photography : a Cultural History".          

Le Cri du Poete: dans la serie "Les Blessures de Chiron"

          Ce poeme - chant est une exploration des defis du coeur du poete, qui doit naviguer ce sentier entre se voir applaudi et mepris, entre extase et agonie, d'avoir le coeur plein et cette compagnie du monde des mots, qui ou lui ouvrent le ciel, ou l'obscurcissent, entre agonie et extase, d'etre en meme temps la voix dans le noir, et le cri dans un desert trop immense, sans debut, sans horizon. Les poetes sont en meme temps ainsi beni et maudit, beni par le ciel et si souvent maudit par le monde, et une vie difficile, souvent des l'enfance, ou leurs visions sont vu suspectes, ont ils se savent trahis, banni, par ceux qui ne supportent pas l'innocence et le courage, qui s'amusent en trouver des moyens de decourager, de couper les ailes du coeur qui ne se sent en vie que quand il chante, quand il aime, loin des hypocrisies, loin du souffle amer qui prefere detruire, moquer le coeur qui est fier, qui est libre. Je pense a la chanteuse irlandaise Sinead O'Connor (1966) et sa chanson puissante "Troy" (Troie). Comme elle, j'ai du surmonter les defis d'une mere jalouse et cruelle, de personnes dans ma vie qui n'avaient que du mepris pour mon coeur qui criait tants d'annees dans un vide, avant de trouver sa voix de poete libre dans le coeur de ma famille kabyle en Algerie: 

Le Cri du Poete

Comme c'est difficile, de se savoir esprit aux ailes qui veulent voler libre, comme cela fait mal parfois de se savoir entouree de ces ombres qui feraient tout pour m'ettouffer le souffle de poete, pour me retourner a ce vide de la solitude, sous le regard cruel qu'est cette obsession de voir le mediocre triompher. 

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Tants d'annees d'etre invisible, tants de fantomes qui riaient de ma voix blessee, qui etaient trop contents de me voir prisonniere des violences du passe. Mais qu'est - ce que tu penses? Tu penses vraiement que tu as quelque chose a dire? Tu penses vraiement que tu as le droit d'etre belle, le droit d'aimer, de connaitre la joie de la liberte, pour ton coeur, ton corps, tes pensees? 

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C'est moi qui decide, c'est moi qui te dis, ce que tu vaux, ce que tu sais faire. Tu t'imagines, etre artiste, etre poete, mais tu ne vaux rien, ma fille, arrete de t'imaginer que tu as quelque chose a offrir. 

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Il ne te restes plus aucun Troie a bruler, "There is no Troy left for you to burn," je suis libre, j'appartiens a moi - meme maintenant, je ne suis pas maudite, j'ai une voix qui est la mienne, et qui resonne dans le coeur berbere de ma Kabylie. 

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Et je m'enfou, si cela fait mal parfois encore, quand ton esprit me haunte, toi qui m'a fait tant de mal, et je m'enfou, si mon coeur est trop grand, si ma voix parfois tremble encore. J'aime et je chante sans gene, sans crainte, parce que c'est le destin des poetes, c'est leur delire, c'est leur force, leur fierte, leur guerison, et leur joie. 

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Ecoutez alors mon cri de poete, il vole libre parmi les oiseaux et les nuages, parmi le soleil et la lune, je suis libre de cette cage dans laquelle que tu as essayee de m'enfermer. Entendez mon cri, d'animal, de femme, de personne, de poete trahie trop de fois pour ne pas avoir appris de me defendre, pour ne pas savoir a mes cotes des esprits anciens, qui me visitent, qui m'encouragent. 

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Des esprits qui comprennent trop bien ce qu'est la tourmente de l'exile, le chagrin de la blessure de se savoir banni, de se savoir maudit par le monde, et guerie par la charite de coeurs charitables, qui habitent la terre berbere, qui y gardent ses rivieres et ses montagnes, qui y revent, qui y chantent, qui y dansent, qui y aiment, libres, fiers, sous le souffle benevolent et eternel du Djurdjura. 

Trudi Ralston

L'information sur la chanson "Troy" (Troie) de son album "The Lion and the Cobra" ( Le Lion et le Cobra) de 1987, de la chanteuse irlandaise, Sinead O'Connor (1966), courtoisie de Wikipedia. 

Heritage Ancien et Histoire Complexe: L'Intrigue Esthetique de la Nature Morte "Legumes Frais" de Nacer Amari - dans la serie "L'Esprit Itinerant"

           Les arts visuels souvent deviennent une invitation a une exploration des antecedents qui menent a leur style, leur interpretation, leur contexte dans le cadre des mouvements culturels. Certaines expressions de ce sentier qui s'etend parfois a travers des multiples mouvements et a travers des multiples siecles, sont une surprise, et parmi ces surprises intrigantes, est l'histoire complexe de la nature morte. Cet interet dans le phenomene multi - dimensionnelle et variee de l'art de la nature morte, m'est inspiree par un tres bel exemple de la part du photographe berbere d'Aokas, Nacer Amari de Tassi Photographie, "Legumes Frais " du 5 fevrier 2023. C'est un tableau dans le style renaissance du polymathe Leonardo da Vinci (1452 - 1519) de legumes frais: des poivrons rouges, oranges, jaunes; des tomates; de l'ail; des carottes; des pommes de terre; des courgettes; des oignons; des petits pois, dans un etalage de couleurs brillantes, qui celebrent l'abondance de la recolte, dans le style hyper - realiste postmoderne, qui s'exprime a travers une redecouverte des styles qui pre - datent le modernisme: la renaissance, surtout, et le romanticisme, comme reaction contre l'art moderniste de l'impressionnisme, le surrealisme, l'expressionnisme. La nature morte "Legumes Frais" nous permet ainsi faire un voyage dans le temps, qui nous mettra dans l'Antiquite, dans l'Egypte ancien, ou on a trouvee des exemples de nature mortes sur les murs qui decorent les tombeaux, comme l'exemple le plus ancien qui date du XVieme siecle B.C., du tombeau de Menna. En Rome ancien, les nature mortes etaient reservees surtout pour l'art des mosaiques, et les fresques, comme la nature morte qui date d'entre 63 - 79 A.D., trouvee sur les murs d'une villa a Pompeii, "Bol en verre avec fruits et vases." Avant de continuer ce voyage, il est important de definir ce que dans le monde des arts est vue comme une nature morte: une nature morte est une composition de qui son sujet sont des objets inanimes, et de qui sa presentation se fait souvent sur une table, et qui souvent inclurent des objets organiques, comme des fruits, des legumes, des articles menagers, comme de la verrerie, des tissus, des pieces de monnaie, des coquilles, des vases, et aussi des animaux morts, surtout du gibier, des poissons, des crustaces, et aussi des boissons, comme des coupes de vin, des chopes de biere. En Egypte ancien, les fresques de nature mortes sur les murs de tombeaux, etaient d'origine religieuse, pour accompagner les morts sur leur voyage vers le monde des esprits. En fait, la nature morte, autre que d'etre dans la tradition greco - romaine, une expression d'abondance que jouissait la famille de qui les murs de leur villa ainsi etait temoins de leur privileges sociales, et aussi un symbole d'accueil et hospitalite, etait pour tres longtemps, un art visuel qui chercheait a exprimer des idees spirituelles, liees a la religiosite et l'impermanence de la vie terrestre. Le genre de vanitas, le mot latin pour vanite, etait une forme de nature morte tres populaire au Moyen Age, ou des objets inanimes decoraient le theme de devotion, d'introspection, et qui en fait avait ses origines dans le monde ancien greco - romain, et qui allait fleurir pendant l'Age d'Or des Pays - Bas, ou les artistes incluyaient dans leurs peintures la phrase en latin "memento mori": "rappelle - toi que tu vas morir", et ajoutaient dans leurs nature mortes des objets comme des cranes humains, des bougies decroissantes, ensembles avec des fleurs fraiches coupees, pour souligner la vie transitoire de l'etre humain. La presence de fleurs fraiches etait le resultat d'un interet dans le monde de la botanie, depuis la decouverte et exploration d'autres mondes et pays, qui a partir de 1600 A.D. allait introduire les artistes aux fleurs et plantes exotiques, comme les maitres de la Renaissance du Nord et son Age d'Or qui voulaient celebrer par exemple, la decouverte de la tulipe de la Turquie, et qui allait devenir et rester une des fleurs les plus populaires dans le commerce agraire des Pays - Bas, tellement que beaucoup de personnes en Europe et aux Etats Unis continuent de penser que la tulipe est une fleur hollandaise. Cet interet dans la botanie allait trouver des expressions tres lucratives dans l'art des artistes de la renaissance du Nord, comme pour la peintre hollandaise, Rachel Ruysch (1674 - 1750), qui etait renommee pour ses nature mortes de bouquets de fleurs exquises et exotiques, et qui reste la femme peintre la meillieure documentee de l'Age d'Or des Pays - Bas. C'etaient ainsi les decouvertes scientifiques dans le monde a partir de 1600 A.D., qui allaient pousser la nature morte dans la direction divergente des preoccupations spirituelles - religieuses du Moyen Age, et qui en fait ont permis un sentier qui eventuellement allait permettre l'exploration de la nature morte en termes des mouvements du modernisme de la fin du XVIXeme siecle et de la premiere partie du XXeme siecle, des mouvements comme l'impressionnisme, le post - impressionnisme, le surrealisme, le fauvisme, l'expressionnisme. La nature morte a vu une evolution enorme a travers les siecles, et se trouve a nouveau au centre d'un nouveau mouvement dans les arts, qui maintenant incorpore aussi la sculpture, la photographie, la video, l'art du trompe l'oeil - qui lui aussi a des antecedents qui remontent a l'Antiquite  - et les installations artistiques, et les arts du spectacle. 

            A partir de 1600 A.D., la plupart des nature mortes etaient assez petite en taille, mais en Belgique, surtout dans la region autour de la ville de Antwerp (Anverres en francais), une tradition s'etablit de nature mortes monumentales, qui incluyait des figures humaines, des animaux, et qui avaient des etalages elabores de viandes crues, avec la presence bizarre en contraste d'une scene religieuse. Cet interet dans l'etalage de scenes de boucheries a cote de themes de devotion reste parfois difficile a comprendre, et reste dur a situer, meme pour l'oeil post - moderne du XXIeme siecle. La nature morte allait suivre sinon l'interet dans le monde botanique, a travers le XVIIeme, et le XVIIIeme siecle et la plupart du XIXeme siecle, et allait s'eloigner de plus en plus des themes de l'allegorie et de la devotion spirituelle, et un des artistes a l'origine de cette evolution fut l'artiste peintre et architecte italien de Firenze, Giotto Di Bondone (1267 - 1337) qui a partir de 1300 A.D., allait revivre dans ses fresques, l'art de la nature morte negligee pour plus de 200 ans. Giotto Di Bondone ajoutait des objets quotidiens dans les themes religieux dans ses peintures, et ceci 300 ans avant les decouvertes du XVIIeme siecle allait revolutionner le genre. Leonardo da Vinci (1452 - 1519), presque 200 ans plus tard, allait etre un des premiers artistes de la renaissance italienne pour creer des aquarelles qui etaient des etudes de fruits, et le graveur et peintre allemand Albrecht Durer (1471 - 1528) faisait apart de ses portraits et paysages fameux, des dessins en couleur de flore et faune. Une raison interessante du point de vue pratique, que la nature morte a su suivre son evolution d'expression qui s'eloigneait de themes religieux, fut l'invention de la technique de la peinture a l'huile dite d'etre de la part du peintre flamand qui travaillait et vivait a Brugge ( Bruges en francais) Jan van Eyck (1390 - 1441), un des peintres les plus fameux de la Renaissance du Nord. La peinture a l'huile permettait la peinture de se secher, et les couleurs de se melanger et mettre en couches multiples, lentement, qui rendait possible des nature mortes d'objets quotidiens dans un style hyper - realiste, iconique pour le genre.  Les styles avant - garde de la fin du XIXeme et du debut du XXeme siecles donnait au genre de la nature morte une toute nouvelle vie, dans l'art d'artistes comme Vincent van Gogh (1853 - 1890), Claude Monet (1840 - 1926), Paul Gauguin (1848 - 1903), Paul Cezanne (1839 - 1906), Pierre - Auguste Renoir (1841 - 1919), Mary Cassatt ( 1844 - 1926) et Odilon Redon (1840 - 1910). Le post - impressionnisme de la fin du XIXeme siecle allait mener vers le surrealisme dans les nature mortes de Pablo Picasso (1882 - 1973), de Georges Braque (1882 - 1963), de Juan Gris (1887 - 1927), de Salvador Dali (1904 - 1989 ), de Joan Miro (1893 - 1983 ), de Georgia O'Keeffe (1887 - 1986), et de Frida Kahlo (1907 - 1954 ), avant que le mouvement du pop - art des annees 1960 allait conduire la nature morte a nouveau vers le debut d'un mouvement qui allait signaler le retour progressif a une representation hyper - realiste, qui serait le post - modernisme, comme dans l'art de Andy Warhol (1928 - 1987), et qui allait permettre une redecouverte du monde aussi de la renaissance, du baroque, et du romanticisme dans les arts visuels post - modernes, comme dans la photographie et son importance exponentielle grace a l'arrivee de la technologie numerique. La nature morte "Legumes Frais " du photographe berbere Nacer Amari est une tres belle synthese de cette evolution que l'art de la nature morte dans les arts visuels a vecue a travers les siecles, pour montrer l'evolution qu'avait initiee Leonardo da Vinci, et avant lui, Giotto Di Bondone, vers une expression laique du genre, pour se culminer dans le monde du surrealisme et finir le cercle et le recommencer avec une nouvelle perspective a travers l'odysee du modernisme et ses passions pour se trouver maintenant dans le monde du post - modernisme et ses polemiques et defis, en voulant reinterpreter le style du hyper - realisme pour lequel la photographie est tres bien preparee, autant du point de vue historique, que quant aux questions et controversies techniques, socio - culturelles et esthetiques. "Legumes Frais" avec ses couleurs brillantes, ses lignes impeccablement bien definies, son ambiance introspective que permet son fond noir renaissance, pour lequel etait si fameux le polymathe italien Leonardo da Vinci, unit dans son style et sujet une vision plein d'espoir, pour presenter une abondante recolte, une reflection tranquille, une celebration de la beaute des regals de la terre, un calme interieur, tous des elements qui ensemble inspirent une perspective bienvenue, qui permet un intermede heureux dans un monde de croissant desequilibre, ou la menace de chaos, d'agonisantes incertitudes, n'est jamais tres loin des inquietudes qui s'imposent sur l'etre humain du XXIeme siecle. 

Trudi Ralston

La recherche sur l'histoire et l'evolution de la nature morte dans les art visuels, courtoisie de Wikipedia, et l'article "Still Life Painting And How It's Survived Thousands Of Years", du 12 mars 2022, dans My Modern Met, de Kelly - Richman - Abdou, mymodernmet.com dans la rubrique Home / Art History. 

Les Mots, comme une Peinture: Une Meditation Poetique pour Nacer Amari - dans la serie "L'Esprit Itinerant"

            La pluie est de retour ici a Olympia, apres quelques jours d'un ciel clair bleu et la visite bienvenue d'un soleil qui etait comme une caresse guerisante, qui avait laissee sa chaleur douce sur le sourire et le visage. Comparee au froid siberien dans le nord - est du pays, qui voit en ce moment des temperatures de -30 et meme - 45 degres Celsius, l'hiver cette annee dans notre etat de Washington State est tres agreable, meme chaud pour etre la saison invernale. La pluie est une constante, et laisse ses traces gris - noir - blanc sur les arbres, sur les toits, sur les routes, telle la signature d'une grande aquarelle. La pluie a ses sons aussi, ses rythmes, qui dansent entre lent, a peine audible, fort, vite, hesitant, staccato, fin, lourd, qui font penser a un xylophone. Ce jeu de la musique de la pluie, m'a fait mediter sur le lien entre image et mot. Il y a 16 ans, j'ai commencee de faire des broderies, en reponse a tout le traume de famille, comme une transition d'essayer de liberer les mots emprisonnes dans mon coeur de poete si longuement invisible, inaudible. Le rythme des coups de fil, des couleurs qui prennent vie sur le dessin du tissu, qui donnent vie aux lignes et leur histoire, leur chant, me rappelle beaucoup au rythme et ses sons de la pluie. Les mots derriere les rythmes, les lignes, qui se liberent, lentement, avec precision, avec elan, avec la fierte de la necessite, son urgence, sa joie qui en suit, son identite. Les mots qui prennent forme, qui prennent leur place sur la scene de theatre de l'article, du poeme, du livre, parce qu'ils se rendent compte, qu'ils ont vu leur naissance, qu'ils ont trouves leur voix, leur independance. La photographie de Nacer Amari de Tassi Photographie se revele au monde de mes poemes et de mes articles et livres, tel les mots d'une peinture, riche en couleurs, riche en rythmes, en voix, en dimensions artistiques, litteraires. Elle me permet decouvrir et comprendre la langue de mon ame et de ses inspirations poetiques, des lignes de mes experiences qui m'ont menee vers les rives de l'Algerie, vers la richesse historique - culturelle de la Kabylie. Son art visuel est le pont de silence, qui me permet entendre, comme une catharsis qui guerit la multitude de blessures psychiques de mon coeur de poete en exile, les rythmes et melodies si longuement endormis, sous transe, de mes energies et de mon temperament creatif. C'est comme toucher le clavier d'un piano, et y decouvrir a chaque toucher une autre histoire, une autre memoire, une autre sensibilite oubliee, pensee perdue, qui se revele, que telles des fouilles archeologiques, ajoutent une autre piece maintenant compris, clair, du puzzle de ma vie difficile, elusive, errante. La comparaison au piano, est tres concrete pour moi, parce que j'ai etudiee le piano comme adolescente pour 4 annees, et aussi j'ai etudie la theorie de musique, le solfege, pour 5 ans. Je vois souvent des images, et j'y entends une melodie, j'y comprend son histoire, son protagoniste, dans les portraits kabyles de Nacer Amari, qui ainsi me permettent voir, entendre les mots qui m'inspirent l'ambiance, la scene pour leur poeme, leur article. J'ai grandi dans un monde des arts, de la photographie, de la peinture, et la photographie est la compagne de mes impressions poetiques - litteraires et leur expression que j'unis depuis 2017 dans mes livres que je dedique a la Kabylie, au coeur et esprit berberes. Ce poeme exprime ce beau mystere creatif, ce lien resistant, accueillant entre l'image et les mots, et est ecrit en reconnaissance de l'art de mon collegue photographe d'Aokas, de qui l'esprit de son art tranquil et meditatif me rappelle quant a sa qualite universelle et berbere tout en un, a l'art des aquarelles de l'artiste contemporain japonais, Kaoru Shibuta, (1980) qui vit et travaille au Japon et l'Espagne, et de qui son art montre l'influence de l'artiste espagnol de Barcelone, Joan Miro (1893 - 1983). L'oeuvre surrealiste de Joan Miro et de Kaoru Shibuta montrent cette presence de la musique, comme un element rythmique, creatif dans les lignes et couleurs de leur art, et c'est cette meme presence musicale spirituelle dans la photographie de l'artiste berbere Nacer Amari qui est l'element central meditatif, cathartique, qui est au centre des chants, des melodies, des rythmes et visions de mes poemes, de mon art, de mes articles, de mes livres:    

Les Mots, comme une Peinture

Sous un silence immobile, la pluie retient son souffle, et peint avec elan, avec precision, ses lignes langoureuses de gris, de blanc, de noir, sur le vert pale des troncs des arbres nus, sur le bleu fade de nuages endormis. 

Les oiseaux et ecureuils font des pas de ballerins furtifs, ne pas surs, et cherchent a manger dans le froid qui leur vole la chance d'une chaleur calmante que souvent laisse le soleil le matin. Les couleurs freles comme des ailes transparentes, coulent vers l'herbe, qui boivent leurs gouttes de l'eau, gourmandes. 

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Les mots, comme une peinture, se reveillent, et se levent, pour se ranger en fil, et me donner les lettres pour un suivant poeme naiscent. Les mots, comme une peinture, cherchent leur ombre, leur forme, et se dessinent comme des notes de musique, ces robes qui habillent leur rythme, leurs conte. 

A travers le monde de tes images, de ton monde berbere et son espoir, son courage, mes poemes trouvent la source de leur origines, de leurs racines, voient clairs dans mon voyage et ses defis de la vie sur cette terre. A travers le monde de tes silences, la voix des melodies de ma muse s'entend, se declare, se define. 

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Les mots, comme une peinture, un portrait, une montagne, se partagent, se comprennent leur alphabet et ses clefs, ses messages, perdus pour si longtemps dans les tempetes de mon coeur flamand banni au monde du vide, de la solitude, un destin cruel que la charite berbere efface, lave, pardonne. 

Les livres, les poemes, l'art que tes images m'inspirent, sur ce sentier silent, loin du chaos d'un monde destructif et d'un passe souvent trop penible d'admettre meme ses cicatrices, sont les mots, comme une peinture, que la fenetre ouverte, me reunit, me donne, me reveille, de l'esprit guerisant de ton art kabyle. 

Trudi Ralston

L'information sur les peintres Joan Miro et Kaoru Shibuta, courtoisie de Wikipedia. 

Ce ne sont pas les Murs qui heurtent les Reves - Un Chant - Poeme dans la serie "Les Blessures de Chiron"

         Apres un froid infernal la nuit surtout, la derniere semaine, il y avait un ciel clair et du soleil aujourd'hui, et une temperature l'apres - midi de 10 degres Celsius, ce qui m'a inspiree de faire le velo pour une heure. Il y avait une lune blanche haute en dessus de quelques nuages freles, et l'absence du vent normalement glacial du debut du mois de fevrier ici, permettait de sentir la chaleur du soleil sur le visage, c'etait presque un jour qui avait l'ambiance d'un jour de printemps comme on les a en debut ou moitie du mois de mars. Il y avait un silence agreable, et je pensais en contraste a la chanson ecrit par le troubadour americain des annees 1960 - 1970, Bob Dylan (1941), " All Along the Watchtower", " Tout autour du Tour de Guet" de 1967, de qui la version chantee par le guitariste et chanteur Jimi Hendrix (1942 -1970), est la plus connue et la plus populaire. La chanson est dite d'etre une critique de la guerre en Vietnam ( 1955 - 1975) qui a coutee la vie a 3 millions de personnes, et la moitie des victimes etaient des citoyens vietnamiens, des innocents, et qui fut l'origine du mouvement de paix, des jeunes aux Etats Unis pour demander la fin de la guerre desastreuse. Ecouter cette chanson aujourd'hui, a un impact d'inquietude, pour le fait que les nouvelles sont pleines chaque jour a nouveau, de rumeurs de menace d'une troisieme guerre mondiale, ce qui n'est pas tres encourageant pour les jeunes en ce moment. Le mal parait etendre ses griffes un peu partout ces jours, et le meurtre ici il y a 3 semaines, d'un jeune homme noir aux mains de cinq policiers a Memphis, pour une simple infraction de traffique, ne meme pas verifiable, dans l'etat de Tennessee dans le sud des Etats Unis, revele le niveau de la brutalite policiere du pays, ou la police peut battre a mort un citoyen sans aucune raison qu'un degre monstre d'abus de leur pouvoir, ce qui rappelle la brutalite policiere des annees 1950 - 1960 aux Etas Unis envers la population noire pendant les annees du Mouvement pour les Droits Civils, sous la direction de Dr. Martin Luther King Jr. ( 1929 - 1968), qui fut victime d'un assasinat, par hazard aussi, a Memphis, Tennessee. C'est choquant de voir le retour de cette violence policiere, 60 ans plus tard. Il parait que les Etas Unis n'a plus d'ame, ni coeur, ni la volonte de la part de ses leaders pour combattre cette viree degoutante et dangereuse vers une ideologie de fascisme, dans un pays qui se dit face au monde, democratique et egalitaire. Je crois que Jimi Hendrix serait triste, s'il etait encore en vie aujourd'hui, de voir la condition de la population noire du pays, et de voir la condition de la planete en generale. Comme poete flamande - americiane, qui vit depuis si longtemps loin de son pays et de ses racines, c'est le coeur berbere, qui est ma source d'inspiration, de courage, elle est ma muse, et je lui dedique ce chant - poeme, qui exprime un desir pour la paix, pour un monde qui celebre la lumiere, l'espoir, la charite, la joie, le partage, la camaraderie, les arts et la culture, la sanctite de la dignite, de l'identite, pour chaque peuple, de notre terre si angoisee: 

Ce ne sont pas les Murs qui heurtent les Reves 

Ce ne sont pas les murs qui heurtent les reves des innocents, ce ne sont pas les murs qui arretent le vol des esprits libres et leurs visions. Ce ne sont pas les bruits du mal qui changent les couleurs de la lumiere en ombres. 

Ce que le mal ne comprend pas, c'est que le coeur libre a un corps qui habite la terre, mais qui a son monde qui voit au - dela des lois de l'homme. Ce que le mal ne peut comprendre, c'est qu'il y a des verites, des realites, des courages ne pas imaginables, ne pas comprehensibles, pour ceux qui ne voient que le contour de leurs propres illusions. 

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Le courage n'est pas un manteau qu'on se met et qu'on enleve le soir quand on rentre. Le courage est tel un muscle, qui devient plus resistant avec chaque defi qu'on affronte, en silence, ou a haute voix. Le courage est un acte de charite, de tendresse, d'un coeur qui bat ne pas juste solitaire, mais en unison avec le coeur du camarade, qui a besoin de nous savoir a son cote. 

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Ce ne sont pas les murs qui heurtent le desir pour la paix, pour l'amour, pour le courage, c'est le manque de volonte, la fatigue de ceux qui se trouvent les ailes blessees, et qui se trouvent seuls, sans voix, sans espoir, c'est cette douleur qui fait que le mal trouve l'arrogance de se dire le gagnant. 

Mais, ces murs perdent leur pouvoir, quand les coeurs et esprits s'unissent, c'est cet acte de charite qui brise les murs et leur force, et qui rend clair, que ce ne sont pas les murs qui heurtent les reves des innocents, ce ne sont pas les murs qui arretent le vol des esprits libres et leurs visions.  

Trudi Ralston