Une Lumiere Refractee: La Sauvegarde dans le Portrait "Le Grand Sourire" de Nacer Amari - dans la serie "La Flute et l'Echo"

             Il y a certains traits humains que savent reveler les arts visuels, qui savent capter et garder l'attention et l'interet, a travers le temps, et les expressions culturelles qui definent le va et vient des civilisations de cette terre. Dans le monde troublant du XXIeme siecle, ou la haine et ses grimaces monstres encouragent la violence envers les pays et les peuples les plus vulnerables, avec l'abjecte lachete et tout manque de conscience et courage des pays qui abusent leur pouvoir, voir un portrait ou domine le sourire, la joie, dans le regard et le visage de son jeune protagoniste, offre une forme de meditation, de reflection spirituelle profonde.  Ainsi est le portrait en noir et blanc du 10 octobre 2023, "Le Grand Sourire" de son jeune neveu qu'a fait le photographe d'Aokas, Nacer Amari de Tassi Photographie, ou les mots de l'artiste visuel Berbere donnent le contexte pour cet article qui va explorer le sourire et sa complexite qui va au - dela des apparences et leurs premieres impressions: "Le Grand Sourire" nous parle d'un portrait d'un enfant de 10 ans, il s'appelle Djawad, c'est un prenom arabe, qui veut dire "cheval". Djawad est le fils de mon grand frere." Cette introduction nous met au centre de l'importance de la famille, si importante dans la culture Berbere de la Kabylie. Le theme de la famille, d'enfants, de freres, soeurs, d'une grande famille, avec des parents, des tantes, des oncles, des cousins et cousines, des grandparents, me touche beaucoup le coeur, n'ayant plus de parents, soeurs ou frere, et vivant depuis mon adolescence a l'autre bout de la terre de ma naissance, de la grande famille de parents, grandparents, de cousins, cousines, oncles et tantes, qu'a un temps j'avais, et que je me rappelle en memoires que la decouverte de la culture kabyle de l'Algerie me redonne, me reveille, m'approche, depuis qu'une copine francaise - kabyle m'y a introduit en 2017, a travers la musique du chanteur legendaire kabyle, Idir. Apres toutes ces annees aux Etats Unis, et devoir faire face a toutes les pertes de famille, cela m'arrive d'avoir des cauchemars ou je cherche a mon pere, a ma soeur, qui s'est suicidee a l'age de 35, suite de sa longue lutte contre la depression bi - polaire, ou je cherche a mon frere, qui vivait au Texas et est mort soudainement il y a 3 ans d'un accident vasculaire cerebral a l'age de 60 ans, et mon autre soeur, mort a l'age de 44 ans, d'un cancer virulent, ne pas curable. Dans ces reves angoissants, je voyage toujours en train, mais je ne trouve jamais le train qui me menerait au village ouest - flamand ou je suis nee. Mon pere, mort loin de moi a l'age de 79 ans, il y a 15 ans, est la seule personne qui dans le monde de ces reves stressants, voit ma detresse, et essaie de m'aider, de me rassurer. Quand je ne voyage pas en train dans ses reves troublants, ils me mettent dans des grandes villes anonymes, ou je me trouve entouree d'etrangers, ou je marche au bord d'autoroutes congestionnees, ou je ne connais a personne, mais ou les etrangers heureusement, sont souvent gentils, m'invitent chez eux, des hommes et femmes agreables, charitables, qui m'invitent a manger chez eux, a des fetes, des concerts. Voir les portraits que fait le photographe Nacer Amari des enfants kabyles de sa region natale d'Aokas et ses environs, des enfants qui sourient, qui sont heureux, qui sont membres de grandes familles, qui sont sure de leur identite, de leur culture Berbere et son riche heritage, me donne beaucoup de courage, d'espoir, de contexte aussi, pour comprendre l'importance de racines sures, sauvegardees, pour les enfants de notre monde. Si moi, toutes ces annees plus tard, lutte encore, comme adulte, contre le traume d'avoir perdue comme adolescente et apres, a ma terre, ma famille, mon identite culturelle, dans des circonstances tragiques de maladies, de malentendus, de morts, d'intrigues malheureuses, que serait l'impact sur un enfant, qui perd tout dans la brutalite d'une guerre, comme tants d'enfants sur cette terre en ce moment? Ou en est l'humanite, ou les leaders qui choississent ne pas defendre les enfants de ces horreurs? Le sourire d'un enfant est sacral, je ne peux pas m'imaginer pire offense que voler un enfant de son droit a la paix, pour sa famille, pour sa culture, pour sa terre. Le portrait "Le Grand Sourire" a un message de grande importance, car un enfant qui risque de ne plus avoir une raison de sourire, a cause de la violence, et sa misere, a cause de guerres qui cherchent a dominer, a detruire la sanctite que merite tout peuple, chaque famille de cette terre, risque devenir une terre sans humanite, sans coeur, sans ame. La joie du portrait kabyle de l'enfant Djawad, permet une pause reflexive, permet situer le sourire comme expression humaine centrale, sacrale, pour etre un sourire que la science decrit avec le nom du "le sourire Duchenne", dit le sourire de la joie sincere, apres le nom du neurologue francais, qui en 1862, decide d'etudier la complexite du sourire dans le visage humain:  Guillaume Duchenne de Boulogne (1806 - 1875), qui est reponsable pour introduire l'etude de la neurologie en France, qui avant lui n'y existeait pas. Duchenne contribuyait a des avances cruciales dans l'etude de la dystrophie musculaire, l'amyotrophie spinale musculaire, et la paralysie bulbaire progressive, qui produit la faiblesse musculaire dans le langage et l'avalement. La communaute scientifique et medicale ignorait pour la plupart son travail important, qui allait influencer le travail sur la theorie de l'evolution du biologue et naturaliste anglais, Charles Darwin (1809 - 1882), comme l'etude de Guillaume Duchenne "Mecanisme de la physionomie humaine", de 1862, illustree par ses photos, qui etait la premiere etude sur la physiologie du sentiment, duquel le sourire fait partie, un etude marquante, de qui son importance mondiale est reconnu depuis dans les etudes scientifiques de la psychologie, et de la psychiatrie - initiee par les decouvertes du neurologue autrichien Sigmund Freud (1856 - 1939), le pere de la psycho - analyse - pour donner une perspective comprehensive de la complexite physique musculaire et leurs interpretations qu'elles revelent quant aux emotions humaines de joie et de detresse. 

             "Le Grand Sourire " dans le portrait de son jeune neveu Djawad, celebre le plus beau sourire: le grand sourire, sincer, libre de pretense, libre de tout artifice. Le sourire a donc dans les arts un symbolisme profond, que la portaiture dans la peinture et la photographie sait celebrer et lui donner toutes ses nuances. On y trouve des sourires dans la portaiture, qui rassurent, qui expriment la confiance, l'appartenance, les bonnes intentions. Comme forme de communication de la part de ses protagonistes, le sourire exprime un dynamisme complexe et puissant. Il y a un article dans Healthline, de 2019, verifee medicalement, qui affirme les theories et decouvertes faites par Guilaume Duchenne : "Beyond Real and Fake: 10 Types of Smiles and What They Mean", ce qui se traduit comme "Au - dela du Reel et Faux: 10 Types de Sourires et Ce qu'ils Signifient". On est au courant, pour la plupart, qu'il y a des sourires qui comme forme d'expression sociale peuvent etre gentils, ou moquants, peuvent nous rassurer, ou nous intimider. Les 10 types de sourire affirment que le sourire est plus complexe qu'on pense a premiere vue ou impression. Il y a le sourire de recompense, qu'on recoit quand on reussit a faire un travail bien; il y a le sourire d'affilite, qu'on donne quand on est en famille, c'est le sourire qui communique les liens sociaux. Il y a le sourire de dominance, qui cherche a communiquer une superiorite, un mepris, qui cherche a humilier, a intimider. Ce sourire a un impact negatif sur la sante physique et mentale de la personne qui en est le recipient: la recherche scientifique affirme que la salive de la personne ainsi confrontee a des niveaux montants du cortisol, l'hormone qui mesure le stress, et ceci pour jusqu'a une demi - heure apres avoir recu le sourire de dominance. Ce type de sourire est une menace non - verbale, et le corps apparemment y repond en consequence. Il y a le faux sourire, et ce sourire, quand on l'analyse sur video image par image, peut se detecter, a travers le mouvement du muscle majeur zygomatique, qui est le muscle qui permet le mecanisme du sourire, et qui dans le faux sourire, se contracte visiblement plusieurs fois. Ce faux sourire revele dans des cas de personnes qui appellent pour l'aide de membres de famille recherchee, que 50% d'instances, les faux sourires revelent qu'en fait ce sont eux qui sont reponsables pour la mort de la personne ou personnes qu'ils pretendaient vouloir revoir sains et saufs. Il y a le sourire melancholique, ou on sourit au milieu de douleur physique et affective, et on pense que ce sourire est possiblement une forme de defense contre le mal qu'on souffre. Il y a aussi le sourire poli, qui cherche a encourager, dans des situations sociales qui le demandent, comme a des celebrations, des fetes, ou a l'occasion de funerailles de personnes a qui on n'est pas proche, mais que l'etiquette sociale et morale demande a obliger. Il y a le sourire charmeur, qui rend une personne plus attractive, plus acueillante, qui est une invitation, une ouverture, qui encourage la confiance. Il y a le sourire de gene, et le sourire faux, que le monde des entreprises encourage, comme l'industrie aerienne, qui demandait de ses stewards et hotesses de l'air de maintenir le sourire, meme si les passagers deviennent insupportables. Ce type de sourire est tres stressant pour les personnes qui le font, qui augmente le risque de degats a la sante, et encourage parfois, a encourager une reaction destructive, de manque de sommeil, d'irritation, de ne pas manger assez, de chercher excessivement le soulagement dans les boissons alcooliques ou la drogue, si ce sourire faux se demande trop souvent au travail a cause de passagers et clients rudes et abusifs. Heureusement alors, que la vie dans les moments de detente, permettent l'occasion pour le grand sourire, le sourire Duchenne, qui est le resultat de la joie sincere, et qui est benefique pour la sante, autant physique que mentale: la recherche physique a decouvert que le sourire sincer, ou tous les muscles du visage repondent en meme temps, ceux de la bouche et les levres, et ceux des yeux, le muscle orbicularis oculi, qui est responsable pour l'effet du froissement de la peau autour des yeux en les soi - disants "pattes d'oie", pour donner un eclat de lumiere, au visage, une chaleur, une energie radiante, qui se note et qui a un effet benefique pour la personne ou les personnes qui le recoivent. Donner ce sourire et le recevoir a des liens avec une vie prolongee, et plus heureuse, plus saludable. Le monde du sourire, qui exige une cooperation de 24 muscles, et leur action, est donc un monde complexe, et valable. Un sourire sincer est un regal, a donner amplement, a recevoir avec reconnaissance, qui communique l'espoir, le courage, la tendresse, la charite, la joie pure, et quand c'est un enfant qui nous donne ce grand sourire, ce sourire sincer, ouvert, du coeur, il est doublement precieux: comme le sourire dans le portrait en noir et blanc "Le Grand Sourire" que nous donne le photographe Nacer Amari, et que ainsi nous donne son jeune neveu Djawad. Ce portrait de ce jeune enfant kabyle est un moment magnifique de pause, qui donne de l'espoir, au coeur, a l'esprit, a l'ame. Le portrait "le Grand Sourire" communique combien sont precieux les sourires des enfants, et nous fait reflechir, et demander: a quand le jour ou l'humanite choisira la paix et la charite et ne plus la guerre et ses horribles violences, ne plus la destruction de toute chance pour une vie ou le bonheur a une place, et n'est pas juste une obscure memoire, a quand le jour ou tous les enfants de la terre, seront libres de menace, de chagrin, de violence, de manque, de traume, de blessures de guerre, de perte de leur famille, de se trouver sans abri, d'etre libres de la faim, de la soif, du desespoir, de la souffrance, de la mort, a cause d'abhorrentes injustices, et auront des raisons amples, pour avoir sur le visage le sourire grand, le sourire de la joie, de l'abondance? 

Trudi Ralston  

La recherche sur la neurologie du sourire et son evolution et son importance sociale et physique, courtoisie de Wikipedia, ainsi que l'article du 22 aout 2019, dans Healthline, www.healthline.com avec verification medicale par Debra Sullivan, Phd., et Rebecca Joy Scarborough, MFA : "Beyond Real and Fake: 10 Types of Smiles and What They Mean".        

Une Vision Interieure: Le Buste Meditatif "Art et Beaute" de Nacer Amari - dans la serie "La Flute et l'Echo"

            Un portrait en noir et blanc, du 1 octobre 2023, "Art et Beaute" du photographe berbere d'Aokas, Nacer Amari de Tassi Photographie, a une attraction tranquille, et en meme temps, immediate. Ce portrait en buste, est d'une tete de jeune femme, que le photographe a fait d'une statue ancienne, lors de notre visite a Carthage, en Tunisie, le 18 mai 2023, pres du theatre ancien, de qui ses qualites sonores merveilleuses restent intactes, ce qui permet y jouer des pieces de theatre et donner des concerts encore aujourd'hui. Le buste ancien de la jeune femme se presente dans une pose reflexive, ou son regard lointain, ne pas defini, pose la question: quel est l'horizon qui tient sous sa trance cette jeune femme, quelle est la vision qui lui fait face, et qu'elle essaie de comprendre, d'accepter, de resoudre? Le buste, historiquement, fait partie de la portraiture, et en fait, fut la premiere expression artistique du monde des portraits, l'antecedent ancien des portraits en peinture, et dans la photographie. Un des bustes les plus fameuses et plus anciennes connues, est celui fait en calcaire enduit du stuc polychrome, par le sculpteur egyptien Thutmose, de la reine Nefertiti (c.1370 - 1330 B.C.), de c. 1345 B.C., de la XVIIIeme dynastie, qui etait l'epouse du pharaon Akhenaten, qui regneait de 1353 - 1336 B.C. ou possiblement de 1351 - 1334 B.C. , qui etait connu avant son regne comme Amenhotep IV, et qui etait le pere du pharaon Tutankhamun. Sous influence egyptienne, les sculpteurs romains allaient developper un style de realisme dans l'art des bustes, de qui son influence continue jusqu'aujourd'hui, et sous l'influence du neo - classicisme contemporain, l'art du buste vit une resurgence. L'influence du buste a donc une longue histoire, comme presence dans le monde de la portraiture quant aux arts visuels, et le buste en photo en noir et blanc de Nacer Amari, "Art et Beaute" est une heureuse invitation de celebrer cette expression artistique de longue date, qui a su garder son importance solide depuis le temps des pharaons. Le symbolisme du titre choisi par le photographe aussi, est au point: ce buste de la jeune femme reflexive a des petites imperfections que la pierre sculptee a souffert avec le passage du temps, et qui augmentent l'effet spirituel que donne le visage imperturbable, et la concentration decisive du regard, dans les contours des levres: une determination de ne pas se laisser intimider par les defis, les obstacles. Je ne sais pas qui etait le modele pour cette sculpture, mais c'est sur, que le sculpteur, laisse l'impression que ce buste est d'une jeune femme qui possede une grande confiance en elle. En fait, ce buste me rappelle beaucoup a sa niece du photographe, Alicia, qui est presente dans plusieurs articles de mes livres qui se dediquent depuis 2019 a l'art de Nacer Amari, le plus recent article date du 24 juin 2023, "Une Transparence Lucide: Le Charisme Meditatif du Portrait "ALICIA" de Nacer Amari", qui figura dans mon futur livre "La Flute et l'Echo", de qui il y a deja 20 articles et poemes. La jeune niece du photographe a cette aura, de sang froid visible, une presence sure, dans un regard qui montre un coeur gentil, et un esprit astucieux. Alicia sera une jeune femme berbere fiere, sure d'elle, genereuse, possedant la gentillesse et intelligence de la sagesse de ses ancetres. Ce buste est pour moi une appreciation pour l'ame feminine, son courage, sa dignite. 

           L'impact subtil de ce buste en photo, met en relief aussi l'histoire de la pierre a laquelle ce buste delicat en traits, me fait penser, en meme temps qu'il reussit a evoquer un esprit feminin fort et resistant, et ainsi sa matiere de ce buste, me rappelle a une pierre, qui se parait a un rocher, mais qui est en fait un mineral et qui est un outil artistique favori des sculpteurs depuis l'antiquite: l'albatre. L'albatre se definit comme un mineral, le gypsum, de graine fine, massif, qui s'utilise depuis des milliers d'annees dans les arts sculpturales, dont un des exemples les plus connus est un contenant cosmetique en albatre, qui a sur le couvercle une lionne sculptee, representant la deesse Bastet, protectrice du dieu de soleil Ra. Ce contenant cosmetique etait part des artefacts de l'entourage du sarcophage du tombeau du pharaon Tuthankamun (c. 1341 - c. 1323 B.C.) decouvert en 1922, ainsi qu'un bouton de buste en albatre, pour le coffre canopique du pharaon, qui avait comme fonction d'assurer sa presence corporelle complete dans le monde des esprits. Le sarcophage du pere du pharaon Ramses II, du second pharaon de la XIXeme dynastie, Seti I (1323 - 1279 B.C.), decouvert en 1881 a Thebes, est sculptee d'une seule piece translucide d'albatre egyptien, qui etait des mines qui se trouvaient vers la frontiere avec le pays qui est aujourd'hui le Yemen. Le fils du pharaon Seti I, Ramses II, est vu comme etre le pharaon le plus puissant de la periode la plus puissante de l'Egypte ancien, etant aussi le pharaon guerrier avec au moins 15 victoires militaires sur le Levant, ou il obtenait le controle de la Phenicie, et le Canaan, ainsi qu'etre connu pour ses exploits en Syrie, et pour construire des villes, des temples, des monuments, comme le complexe de temples d'Abu Simbel, et le mausolee Ramesseum, dans l'ouest de Thebes. L'albatre connu aussi sous le nom d'onyx - marbre se trouve autre qu'en Yemen d'aujourd'hui, aussi en Algerie, dans la wilaya d'Oran, se trouvait aussi dans l'ancien Mesopotamie, et en Europe, se trouve aujourd'hui en Aragon, Espagne, en Tuscanie, en Italie, a Volterra, et le centre de commerce en albatre en Italie est a Florence, aussi a Pisa et Livorno. Il y a aussi des mines de l'albatre gypsum en Angleterre, qui datent du Moyen Age. L'albatre noir se trouve dans juste un site de juste trois pays: en Chine, aux Etats Unis, et en Italie. L'albatre est connu pour sa luminosite, et on le trouve pour cette raison, en forme de fenetres, dans l'architecture de l'antiquite, et dans les batiments byzantins et apres dans les cathedrales du Moyen Age, et aussi d'aujourd'hui, comme dans les fenetres de la cathedrale contemporaine Notre Dame des Anges, de 2002, a Los Angeles en Californie. Au Mexique, on trouve un albatre d'une couleur verte delicate, a Pedrara, dans la region de Tecali, pres de Puebla, dans le sud du pays. L'albatre se trouve aussi dans plusieurs localites des Etas Unis, comme aux etats de la Californie, l'Arizona, Utah, le Colorado et la Virginie. L'albatre a donc une histoire ancienne, qui couvre beaucoup de cultures et leurs expressions artistiques, comme l'albatre de Mosul, qui se mine encore aujourd'hui dans le nord de l'Iraq, et qui etait l'albatre pour les reliefs des palais assyriens du IXeme jusqu'au VIIeme siecle B.C. , comme "Chasse de Lion d'Ashurbanipal" et les reliefs Lachish, les deux du VIIeme siecle B.C., les exemples les plus connus. A cause de sa popularite artistique depuis des milliers d'annees, et son extraction intensive, l'albatre a presque disparu de la planete, avec l'exception de l'Aragon en Espagne, qui continue d'avoir les reserves d'albatre les plus grandes sur terre, avec le bassins de Fuentes - Azaila et de Calatayud - Teruel.  La ville de Zaragoza, connu avant 1492, comme Saraqusta, etait connu comme la "Medina Albaida", pour ses murs et palais construit d'albatre, pres les rivieres Ebro et Huerva. L'abatre est tres versatile comme matiere artistique, dans ses expressions creatives qui remontent a l'antiquite jusqu'au monde post - moderne du XXIeme siecle, a travers l'architecture, la sculpture, les rites funeraires, cosmetiques, pour sa qualite de couleur pale delicate, de lumiere, de versalite technique. La photo "Art et Beaute" de la jeune femme delicate et fiere, resistante et vulnerable a la fois, meme sans savoir si elle est sculptee en part d'albatre, ou ne pas, possede en sa capture de son esprit, de sa beaute feminine, sa confiance, une qualite intemporelle qui unit le passage du temps a une qualite spirituelle, qui parait etre un trait du psyche Berbere, du coeur kabyle. Son regard de cette jeune femme que celebre le portrait sculptural "Art et Beaute" du photographe aux visions subtiles et profondes, Nacer Amari, inspire le desir de voir au regard et son esthetique d'une personne, apart du cote de la beaute physique, corporel, ses qualites de profondeur, de spiritualite, et de prendre le temps, le tact, le respect, de lui voir, avec patience, avec interet, avec chaleur, son monde interieur, son coeur: son histoire de joies, de chagrins, de silences, d'espoirs, de courages, de generosite, de sagesse, des sentiers faits, et des chemins de sa vie encore a faire. 

Trudi Ralston

La recherche sur l'histoire et la mise en pratique artistique diverse de l'albatre a travers le temps et l'histoire des civilisations, depuis l'antiquite jusqu'aujourd'hui, courtoisie de Wikipedia.    

Rite et Memoire: La Qualite Picturale du Portrait "Le Cafe" de Nacer Amari - dans la serie "La Flute et L'Echo"

              Rite et memoire, comme expression culturelle, sont une formule qui exerce une attraction complexe dans le monde des arts, dont la photographie et son influence exponentielle dans le monde du XXIeme siecle se repand tel un evantail avec une precision multi - dimensionnelle, captivante, minuticieuse, et complete. Un portrait en noir et blanc du 25 septembre 2023, du photographe de l'art d'Aokas, Nacer Amari de Tassi Photographie, "Le Cafe", ecrit en Tifinagh, emet dans ses evocations un double interet artistique, celui d'une ambiance affective impressionniste, et celui de l'insistance du rite dans la conscience humaine. Ensemble, la photo a une qualite picturale tres satisfaisante, que cet article va explorer et lui donner un contexte dans l'histoire de la peinture, et de la photographie. Le sujet de la photo, "Le Cafe", parait etre une chance par excellence de celebrer le rite en lui donnant une lumiere impressionniste, car prendre le cafe est un rite qui unit les amis, les voisins, la famille, les amants, pour des rencontres autant formelles, que quotidiennes, et qui a une riche histoire qui remonte des siecles, et qui a ses origines en Afrique. Cette boisson qui est la boisson la plus populaire commercialement sur la planete, a ses origines au XVeme siecle, en Yemen, dans la region Kaffa de l'Ethiopie: les grains des fruits de la plante coffea sont separes pour produire des grains non torrefies verts, qui ensuite sont torrefies et moulus en particules fines et trempes dans de l'eau chaude, pour ainsi produire une tasse de cafe. A partir du XVIeme siecle, le cafe se buvait a travers le Moyen Orient, l'Afrique du Nord, et l'Europe au debut du XVIIeme siecle. Aujourd'hui, le cafe se produit en 70 pays, surtout dans les regions equatoriales des Ameriques, de l'Asie du Sud, du subcontinent indien, et de l'Afrique.  Depuis 2018, le Bresil est le plus grand producteur de cafe, qui compte pour 35% de la production globale, suivi apres par la Colombie, l'Ethiopie, l'Indonesie, le Vietnam, l'Inde, le Guatemala, le Honduras, le Mexique, la Kenya, l'Uganda, la Costa Rica, le Peru, la Nicaragua, la Thailande, le Panama, le Venezuela, le Burundi, le Cuba, le Yemen, la Republique dominicaine, l'Angola, le Ghana et le Paraguay. Le mot " cafe" entre l'anglais a travers le mot neerlandais "koffie", en 1582, empruntee du mot turque ottomane "kahve", empruntee du mot arabe "quahwah". Les bistros, ou cafe - bars, datent de la seconde partie du XVeme siecle, quand en 1475, le premier bistro - cafe fut ouvert a Constantinople, par des commercants arrivants de Damas et d'Alep. Les pays nordiques boivent mondialement la plus grande quantite de cafe par personne: la Finlande, la Norvege, l'Icelande, le Danemark, les Pays -Bas, la Suede, la Suisse, la Belgique, le Luxembourg, et le Canada. Les pays qui boivent le plus de cafe en quantite globale, sont: les Etats Unis, l'Allemagne, le Japon, la France, l'Italie, la Russie, les Iles Britanniques, l'Espagne, la Pologne, les Pays - Bas, le Maroc, l'Ethiopie, la Tunisie et l'Algerie. Le rite du cafe evoque pour moi des memoires comme enfant en Flandes, ou le cafe etait un monde interdit, un monde d'un rite d'adultes qui se partageaient des conversations desquels les enfants etaient exclus. Tout ca changeait, une fois que j'etais adolescente, qui finalement etait introduite au rite du cafe, avec ses secrets, ses allusions, ses sous - entendus, dependant de l'angle de la conversation, s'il s'agissait de questions de famille, ou de conversations qui etaient mes preferances, celles de mon pere et ses amis et mes oncles, sur l'art, surtout la peinture et la photographie,  la philosophie, l'histoire, les voyages. Etre permis de prendre le cafe avec les adultes, ainsi aussi que le vin avec les diners formels, etait aussi une permission de rester debout tres tard dans la nuit. La table ou on se reunissait, a l'heure de 3 ou 4 heures du matin, etait couverte de tasses de cafe vides, de cendriers et cigarettes et megots de cigarettes et de cigares, de boutelles de vin vides, et je me sentais toute adulte, de constater que mes cheveux, et mes habits etaient saturee de l'odeur des cigarettes, meme si je n'etais pas permis de fumer avant de finir l'ecole secondaire. Le cafe me permettait aussi etre plus proche a l'intimite sociale du monde de ma grand - mere, et ses contes des temps durs pendant la Seconde Guerre Mondiale, quand est mort son mari, mon grand - pere, a la jeune age de 43 ans, me permettait des confiances de ma tante celebataire, une femme tres intelligente et super independante, de mes cousins et cousines plus agee que moi. Pendant mes voyages aussi, prendre le cafe dans des differents pays, comme la France, l'Italie, l'Autriche, le Mexique, le Costa Rica, le Panama, le DRC, le Maroc, l'Algerie, et recemment, la Tunisie, pendant ma premiere rencontre en mai 2023, avec le photographe Nacer Amari et son cousin Mounir Amari, rend tres clair comme est ubique la consommation du cafe, et comme chaque pays ainsi renforce ce rite de rencontres, de partages, autour de bistros et cafe - bars, ou on peut apprecier l'ambiance specifique du pays dans lequel on est en sejour, en gardant en meme temps les memoires de ce rite du cafe qu'on prend chez soi, comme les mots du photographe kabyle illustrent quant au contexte de sa photo "le Cafe": "Mon portrait en Tifinagh signifie "le cafe". C'est un ami qui prepare un cafe traditionnel devant une riviere. Un ami du lycee, nous etions dans la meme classe il y a 25 ans. C'est une personne calme, il m'a invite moi et l'artiste Smail Ouchene pour gouter son cafe. C'etait lors d'une sortie photo." J'espere  avoir l'opportunite de gouter un tel cafe traditionnel, de connaitre l'ambiance amicale d'un tel partage, que se partagent souvent les randonneurs en Kabylie, et mes amis kabyles qui partagent ce rite quand ils voyagent vers le grand Sud algerien, vers Tamanrasset, le Tassili 'n Ajjer, et boivent le cafe traditionnel du Sahara avec leurs guides et amis Touareg. C'est ce qui est unique du rite du cafe, c'est que l'experience peut varier beaucoup en contexte social - culturel, en meme temps qu'il y a un element de familiarite, d'inclusion, pour l'ingredient meme qui est si visible dans tants de pays de cette terre. Dans ce sens, ce portrait a un interet culturel tres specifique, pour celebrer un rite qui a ses origines en Afrique, et qui a une longue et riche tradition dans les cultures de l'Afrique du Nord, et dans ses cultures Berberes. Le portrait kabyle de Nacer Amari, "Le Cafe" celebre en meme temps aussi, l'accueil et l'esprit universel, de partager le rite du cafe avec le visiteur, a travers l'hospitalite legendaire du peuple algerien, dans ce cas  l'hospitalite envers l'etranger dans l'invitation au rite du cafe du desert.

               Le second interet artistique du portrait en noir et blanc de Nacer Amari, "Le Cafe ", riche en ambiance narrative, est sa qualite impressionniste, qui touche aux affinites de la photographie et la peinture picturales. L'impressionnisme est un mouvement du XIXeme siecle, qui favorie la composition ouverte, l'accent sur la representation precise de la lumiere dans ses qualites changeantes, le theme principal de sujets quotidiens, des angles visuels rares, et l'inclusion du mouvement comme un element fondamental de l'experience et perception humaines. La photographie picturale est unie en technique au mouvement impressionniste, pour sa philosophie de se concentrer sur la tonalite, la beaute du sujet, et la composition plutot que la documentation precise de la realite. Les lignes et le melange des couleurs noirs - grises du portrait "Le Cafe" creent cette sensibilite impressionniste, ce sens de rythme qui celebre le sujet quotidien du rite du cafe, a l'invitation d'un ami du photographe. Les attributs de l'impressionniste sont presents dans le portrait "Le Cafe", en abondance, dans la tonalite, et les angles rares du protagoniste vis - a vis du cafe qu'il prepare, les nuances de la lumiere opaque, suggeree, autant que delignee.  L'impressionnisme a du affronter la critique et l'opposition hostiles de la part de la communaute artistique traditionnelle francaise. Le nom du mouvement se derive du titre d'une peinture de Claude Monet (1840 - 1926), "Impression, soleil levant" (1872), qui provoquait le critique Louis Leroy d'inventer le mot "impressionnisme" comme terme de derison, et ce mouvement du debut des annees 1860, avec les peintures de 4 jeunes artistes, Claude Monet, Auguste Renoir, Alfred Sisley et Frederic Bazille, devint desormais populaire, et etait l'antecedent du neo - impressionnisme, le post - impressionnisme, le fauvisme et le cubisme. Les peintres impressionnistes preferaient de peindre dehors, ce qui rappelle aussi le portrait "Le Cafe", pour etre faite dehors, pres d'une riviere. Peindre et prendre des photos dehors, ajoutait une qualite nouvelle a la lumiere, une qualite vibrante, qui etait inspiree par le peintre anglais John Constable ( 1776 - 1837) et qui fascinait les 4 jeunes peintres impressionnistes francais. Les impressionnistes preferaient de peindre sur des toiles blanches, au lieu des surfaces traditionnelles foncees. L'impressionnisme etait sous l'influence de la photographie et ses avances techniques, qui permettait des angles d'asymmetrie, comme on peut noter dans les peintures d'Edgar Degas ( 1834 - 1917), comme sa toile de 1874, "La classe de danse". Les paysages des peintres et photographes impressionnistes aussi, se concentrent sur la fluidite de la lumiere, du mouvement, et ses protagonistes dans ces paysages dans des acitivites quotidiennes. Il y avait ausi 4 femmes peintres impressionnistes, qui devaient surmonter le mepris et scepticisme du monde masculin avec beaucoup de courage et confiance: Mary Cassatt, Eva Gonzales, Marie Bracquemont - de qui son mari malheureusement a lui fait abandonner a la fin sa carriere de peintre - et Berthe Morisot. Des expositions de peintres impressionnistes a Paris de 1874 a 1886, Berthe Morisot participa a 7, Mary Cassatt a 4, Marie Bracquemont a 3, et Eva Gonzales a aucune. L'impressionnisme se repandait a travers beaucoup de pays et ses artistes: l'Australie, les Etats Unis, les Pays - Bas, la Belgique, la Slovenie, les Iles Britanniques, l'Allemagne, l'Hungrie, l'Autriche, l'Irlande, la Russie, le Puerto Rico, la Nouvelle Zelande, l'Ecosse, le Canada, la Pologne, la Romanie, la Turquie, l'Egypte, le Bresil, l'Espagne, l'Argentine, le Danemark, la Serbie, l'Icelande, le Japon, et la Norvege.  Dans le monde de la photographie, les photographes picturales sont dits etre part du mouvement impressionniste, pour l'importance donnee au flou artistique, a la lentille diffusante. Les photographes picturales inclurent des photographes de renommee internationale: Alfred Stieglitz (1864 - 1946), le mari de la peintre symboliste Georgia O'Keeffe de 1924 a 1946; la photographe Gertrude Kasebier (1852 - 1934), qui allait fonder l'Association de Femmes Photographes Professionnelles en 1910, et allait influencer toute une generation suivante de femmes photographes fameuses, entre elles la photographe Imogen Cunningham (1883 - 1976), de qui sa renommee est mondiale. C'etait Alfred Stieglitz, qui disait de la photographie de Gertrude Kasebier, qu'elle etait "sans discussion la plus importante photographe de portraits contemporaine." Une autre photographe picturale - impressionniste importante fut Anne Brigman (1869 - 1950), qui etait amie de l'ecrivain de Oakland, en Californie, Jack London (1876 - 1916), mort jeune, qui etait un des premiers ecrivains et journalistes americains de renommee internationale, qui entre autre etait vu comme un innovateur dans ses livres de science - fiction, comme le roman dystopique "Le Talon de Fer" et qui avait une passion pour les droits des ouvriers, et pour le socialisme.  Anne Brigman etablit une reputation aux Etats Unis et en Europe pour sa maitrise de la photographie picturale, comme sa serie de 1923 - 1926 de portraits de femmes nues imaginatives, qui faisait declarer l'artiste Jennie V. Cannon que la photographie etait un art, disant que les photos d'Ann Brigman "montrent l'individualite artistique, autant que le font la peinture, la sculpture ou la gravure." Imogen Cunningham, qui etait nee dans la region du Pacifique Nord - ouest, a Portland, dans l'etat d'Oregon, de sa part etait influencee par la photographe Gertrude Kasebier, et recevait sa maitrise en photographie a l'universite de Dresden, en Allemagne, grace a une bourse, et apres avait une studio de la photographie a Seattle. Ses portraits nus de son mari, faits dehors dans une nature sauvage, causait un scandale ne pas pour le fait que les portraits etaient d'un modele nu, mais du fait qu'elle avait l'audace comme femme de faire des portraits nus d'un homme, mais elle ne payait aucune attention a cette critique, et avanceait dans sa carriere desormais. En 1940, elle commence a faire de la photographie de rue, et est invitee par le photographe americain Ansel Adams ( 1902 - 1984), connu pour ses paysages en noir et blanc de l'Ouest americain, de joindre la faculte du departement des Beaux Arts a l'Universite de Berkeley en Californie, en 1945. La photographe Dorothea Lange (1895 - 1965), est aussi invitee de devenir membre, et est tres connue pour attirer une attention nationale et mondiale, avec ses portraits choquants viscerals de familles migratoires travailleurs en Californie, pendant la pauvrete deroutante des annees 1930 de la Grande Depression, que le gouvernement americain avait choisie d'ignorer malgre que les Etats Unis avait des centaines de milliers de personnes vivants dans des conditions desastreuses. La photographie picturale est donc intimement liee a l'impressionnisme. Le portrait "Le Cafe" du photographe kabyle Nacer Amari, unit de facon sincere, libre de toute artifice, les elements du rite et de la photographie picturale dans un portrait ou les angles asymmetriques, le flou artistique, la lumiere diffuse et le sujet quotidien a la fois universel et culturellement specifique, sont un clin d'oeil admirable a une nostalgie impressionniste, tres bienvenu dans un monde qui risque se perdre dans l'anonimite et l'oubli du contexte et ses barometres socio - culturels.  

Trudi Ralston

La recherche sur le cafe et ses origines, sa presence mondiale et ubique, courtoisie de Wikipedia, ainsi que la recherche sur le mouvement de l'impressionnisme, ses origines, ses artistes, et la recherche sur la photographie picturale et ses photographes influents, et le lien avec l'impressionnisme, qui allait influencer des artistes de 27 pays, entre autres: Childe Hassam, Frederick McCubbin, Willem de Zwart, Jan Toorop, Anna Boch, Theo van Rysselberghe, Roderic O'Conor, Valentin Serov, Nazmi Ziya Guran, Chafik Charobim, Elisea Visconti, Malisa Glisic, Asgrimun Jonsson, et Fujishima Takeji. 

Sur les Traces de Kanae Yamamoto: Le Silence Stylistique du Portrait "Rachid" de Nacer Amari - dans la serie "La Flute et l'Echo"

              Le mouvement expressionniste est connu comme etre un mouvement avant - garde qui se situe au depart dans la poesie et la peinture, et qui a ses origines dans le Nord de l'Europe, vers le debut du XXeme siecle, pour apres se repandre a travers l'Europe de l'Occident et dela a travers le monde, et qui a marque le monde avant la premiere guerre mondiale et les annees entre les deux guerres mondiales, a connu une renaissance, dans les annees 1960 et 1970, et de qui son influence reste visible et tangible dans le monde des arts, et dans le mouvement croissant neo - baroque du debut du XXIeme siecle. Ce qui est tres interessant, vu du fait qu'une perspective acceptee du Baroque du XVIIeme siecle est que ce mouvement fut en fait l'antecedent du mouvement expressionniste, que le Baroque etait en fait le rebelle expressionniste avant le fait, comme dans les peintures du peintre italien Caravaggio (1571 - 1610), qui avait une influence importante et centrale dans l'evolution du Baroque, malgre sa vie breve, et qui est vu comme etre le peintre de qui son oeuvre allait definir "le debut de la peinture moderne", selon l'historien Andre Berne - Joffroy (1915 - 2007). L'expressionnisme cherche d'exprimer le sens de l'experience affective, au - dela de la realite physique. Le mot "expressionnisme" fut utilise pour la premiere fois en 1850, dans une exposition de peintures de l'artiste Julien - Auguste Herve, qu'il disait etre "Expressionnismes", et il y a aussi la theorie que le mot pour le mouvement etait l'invention du critique de l'art et historien tcheque Antonin Matejcek, en 1910, pour etre le contraire du mouvement de l'impressionnisme, qui precedait l'expressionnisme: "L'expressionnisme desire avant tout, de s'exprimer. Un expressionniste rejette la perception immediate et depend sur des structures psychiques plus complexes... Des impressions et images mentales qui passent a travers l'ame des personnes comme a travers un filtre qui les debarrasse de toutes les accumulations substantielles pour les produire leur essence pure." Un portrait en noir et blanc, en gros plan, du photographe Nacer Amari de Tassi Photographie, "Rachid", du 21 septembre 2023, que l'artiste visuel introduit comme etre "mon collegue de travail et infirmier de retraite", unit les elements d'un portrait expressionniste, et en fait, a des resonances du style d'un peintre expressionniste japonais de grande renommee: le peintre et graveur en bois Kanae Yamamoto (1882 - 1946). L'expressionnisme se developpe comme une reaction contre les effets deshumanisants de l'industrialisation, et la croissance exponentielle des villes, et avait comme un de ses buts principales comme mouvement avant - garde de se distancier des traditions et instituts culturels etablis. L'expressionnisme n'acceptait pas l'ideologie du realisme, depourvu des emotions du monde interieur. Kanae Yamamoto etait d'une famille de descendants directs des shoguns du Japon, et son grandpere etait part des samurai qui avait trouvee la mort dans la guerre de Boshin (1868 - 1869), au service du Shogunat Tokugawa, qui allait mettre fin au systeme feudal militaire des Shoguns, et allait restorer la periode Meiji qui donnait a nouveau le pouvoir a l'Empereur. Son pere etait medecin de profession, et Kanae Yamamoto commenca ses etudes de l'art a Tokyo en 1902, et s'interessait surtout dans les gravures en bois. Il decide d'aller etudier l'art en France, et part pour Paris en 1912. Une des peintures les plus marquantes de ces annees est sa peinture a l'huile de 1915, ou domine la couleur orange, un auto - portrait du peintre assis, fumant une pipe. Malgre etre entouree d'artistes du Japon, qui voulaient lui visiter ou qui etaient en Europe pour etudier le style europeen de la peinture, Kanae Yamamoto n'aime pas le style de Vincent Van Gogh, ou de Claude Monet, d'Edouard Manet, et prefere l'oeuvre d'Auguste Renoir, de Paul Cezanne, et surtout du peintre francais Pierre Puvis de Chavannes (1824 - 1898), un artiste impressionniste - symboliste, de qui ses peintures sont des images d'un monde de reve et d'idealisations idylliques, qui rappellent beaucoup aux peintures symboliques du poete libanes - americian, Kahlil Gibran ( 1883 - 1931) en fait, et que l'ecrivain naturaliste, poete et dramaturge Emile Zola (1840 -1902), decrivait comme etre "de l'art faite de raison, passion et volonte."  Il reste en Europe pour 4 ans, et vit part du temps en Bretagne, et c'est de cette periode que vient son inspiration pour son "Portrait d'une femme Bretonne"  de 1920, et il visite aussi a Londres. Il a du mal a s'adapter a la culture et peinture europeenne, qu'il etudie, surtout la gravure et la peinture, et sa periode en Bretagne produit des portraits et des paysages dans le style expressionniste europeen. Il retourne donc en 1916 au Japon, et decide de se dediquer au style japonais de gravures, qui a les elements stylistiques qui indiquent un retour a ses racines artistiques japonaises, et a partir de 1920, il decide de se dediquer exclusivement a la peinture, pour le reste de sa vie, avec des paysages a l'huile, et des aquarelles, tres atmospheriques, comme "Debut de l'Automne au Lac Haruna" de 1935 et les couleurs bleues du paysage "Les Hauts Plateaux de I'Izuna" de 1939. Avant de retourner au Japon, il fait un voyage en Norvege, la Suede, l'Angleterre, et la Russie, y compris un long voyage en train a travers la Siberie, et pendant un sejour a Moscou, il visite la maison de Leo Tolstoi, Yasnaya Polyana, que l'ecrivain avait converti dans une ecole pour les agriculteurs et leurs familles, et qui allait inspirer a Kanae Yamamoto d'apporter les arts aux enfants dans le systeme scolaire du Japon, une tradition introduit par lui, qui continue jusqu'a aujourd'hui. En 1919, il fond l'Association des Dessins Libres pour Enfants, a un moment ou l'idee d'une education democratique commence a gagner de l'ampleur, ce qui serait interrompu en 1928, par la periode du retour a un militarisme, et la seconde guerre mondiale, mais l'Association se recupere apres 1945.  

               Cette digression extensive dans la vie et l'art du peintre - graveur - portraitiste japonais Kanae Yamamoto est importante, pour situer son contexte en relation d'un trait unique du portrait "Rachid" du photographe de l'art Nacer Amari: le trait du silence stylistique. Les portraits de Kanae Yamamoto, comme de 1905, 1907, 1909, et son auto - portrait assis avec pipe, de 1915, ont dans le regard des protagonistes, un effet de la couleur unie, de la lumiere diffuse, qui s'etend a travers les tableaux, et qui inclut le regard et la lumiere platte dans les yeux grands, ronds, comme voulant attirer l'energie de cette lumiere envers leur vue interieure du monde. Cela m'a impressionnee beaucoup, que le regard uni du portrait kabyle "Rachid" du photographe Berbere d'Aokas Nacer Amari cree ce meme sens d'un style expressionniste reflexif, ou la tension entre serenite et inquietude trouve un equilibre exquis, et encore plus audace, pour l'avoir reussi sans couleur, autre que les couleurs de noir et blanc, vu comme avant- garde, leur juxtaposition des couleurs noir et blanc, que celebre, l'art expressionniste abstrait du peintre americain Franz Kline ( 1910 - 1962), du peintre russe - americain Mark Rothko ( 1903 -1970), et l'art du peintre espagnol cubiste Pablo Picasso (1881 - 1973) et du peintre moderniste americaine Georgia O'Keeffe (1887 - 1986), par exemple. Kanae Yamamoto utilise le style de la couleur unie qui trouve son centre dans le regard, dans les yeux, pour evoquer une ambiance ou domine le silence. Il chercheait a se liberer du style expressionniste des peintres europeens, a trouver un expressionnisme d'identite japonaise, un style reflexif, ou le rythme des lignes devient presque immobile, ou domine le silence, qui ouvre la porte vers le monde interieur, le monde du psyche. Le portrait "Rachid" de Nacer Amari emane cette meme lumiere unie, en blanc et noir, emane cette meme presence du silence, qui se repand des yeux, jusqu'aux bords du portrait, et qui donne au portrait sa hypnotisante precision stylistique et thematique ou la perspective du camera invite le spectateur de trouver sa propre interpretation, de qui l'objectif du camera presente les possibilites, les etale, avec beaucoup de patience, tel un metteur en scene envisionne en silence l'evolution de chaque scene de theatre, avant de communiquer ses intentions, de les rendre visibles. 

Trudi Ralston  

La recherche sur l'art et la vie du peintre et graveur japonais expressionniste Kanae Yamamoto, courtoisie de Wikipedia, ainsi que l'information sur le contexte historique - culturel du mouvement avant - garde de l'expressionnisme, ses origines et evolutions, qui allait se repandre a travers beaucoup de pays: l'Armenie, l'Australie, l'Autriche, la Belgique, le Bresil, le Danemark, l'Estonie, la Finlande, la France, la Grece, l'Hongrie, l'Icelande, l'Irlande, l'Indonesie, l'Israel, l'Italie, le Japon, le Mexique, les Pays - Bas, la Norvege, la Pologne, le Portugal, la Russie, la Romanie, la Serbie, l'Afrique du Sud, la Suede, la Suisse, l'Ukraine, les Iles Britanniques, et les Etats Unis.       

Une Confiance Existentielle: L'Esthetique Judicieuse du Portrait "Djahid" de Nacer Amari - dans la serie "la Flute et l'Echo"

            La portraiture dans le monde des arts visuels de la peinture, de la photographie, de la sculpture, exerce un pouvoir et influence social - culturel de qui son importance ne fait que grandir, pour etre un point focal dans un monde de qui ses incertitudes quant au futur ont un effet deroutant, de risque de desequilibre pour l'humanite, pour la terre a un degre ne pas connu depuis le debut du douteux anthropocene, arrivee a un point d'exasperation depuis l'arrivee de la revolution industrielle du XIXeme siecle. Un portrait ou la personne fait face avec confiance, avec fierte, a l'artiste, au spectateur, ou le protagonsite est sur de son identite, a une facon tres convainquante, celle de nous voulir partager sa formule. Ce qui est fascinant d'un tel portrait direct, est que la revelation de cette formule de confiance, de fierte, prend de la patience, de la part de l'observateur, prend du temps, de decouvrir. Il y a un peu de sphinx dans le regard direct d'un tel portrait, ou le protagoniste communique avec une certaine insistance son message: vois- moi le regard, regarde, observe attentivement. Le portrait en noir et blanc du 14 septembre 2023, "Djahid" du frere du photographe d'Aokas, Nacer Amari de Tassi Photographie, a cette emanence, cette aure de surete, de confiance envoutante. Un portrait en pied, ou son frere est assis, a un magnetisme visuel, que les mots du photographe quant au contexte de cette photo, affirment: "Djahid est mon frere. Il aime rigoler, des tenues vestimentaires d'elegance, des parfums de grande marque et surtout un telephone portable de dernier cri. Je l'ai photographie lors d'une rencontre dans un bar - restaurant (La Roseraie) a Aokas. Malgre qu'il y avait beaucoup de monde, il a pose pour moi sans hesitation ni complexe." Ce portrait invite le spectateur a travers son regard direct du protagoniste, comme une invitation a une conversation cordiale, ou les questions sont permis, pour etablir une ambiance agreable, de partage. Le regard direct de "Djahid" evoque une memoire de mon enfance en Flandes, de mon cousin Marc, le second fils de ma tante Denise, la soeur ainee de mon pere. Marc etait depuis son enfance une personne qui avait des convictions bien definies, et qui avait un interet dans la mode et ses styles qui dans les annees 1960 et 1970 etaient souvent a la vanguarde ensemble avec le monde du theatre, de la musique, de la danse. Sa mere, Denise, etait, comme ma grandmere, couturiere professionnelle, et Marc montrait une fascination pour ce monde, et savait s'habiller avec flair. Il etait comme adulte coiffeur, et avait une clientele solide, de femmes et hommes, enfants, et avait un talent pour ca. Il emettait une confiance personnelle, professionnelle, ensemble avec une personalite patiente, gentille. Je me rappelle les beaux souvenirs de jouer avec lui comme enfant, de creer des petites pieces de theatre, avec nos propres costumes, qu'on empruntait de l'armoire grande des habits et collection de souliers et chapeaux de ma mere, nous rassurants qu'elle ne se rendait pas compte. Mon cousin Marc m'impressionnait comme enfant par son attitude sure, d'etre exactement la personne qu'il voulait etre, sans excuses, avec une determination calme, detendue meme. Son frere, etait le contraire de lui, et avait presqu'une obsession avec la masculinite, et une aversion du style de Marc, de sa gentillesse, de ses sensibilites de style. Le portrait "Djahid" nous fait face avec cette meme confiance, a travers sa pose, les jambes croisees, ainsi que les mains, assis, avec sang - froid, presque comme une sculpture, qui nous parle, avec resolution, qui invite de lui donner la chance de reveler son point de vue, ses perspectives. 

           Il y a un article autour de la portraiture, specifiquement de portraits ou le protagoniste est assis, qui decrit un element unique de ce trait, le trait de se trouver assis face au peintre, sculpteur, photographe. Cette observation sait donner poids a son point de vue, a base de portraits de plusieurs artistes fameux, ou le fait de se trouver assis donne aux protagonistes un temoignage existentiel bien precis. Cet article de 2020, de Michael Sutton, "Le Portrait Assis", introduit les portraits du peintre realiste francais, de Gustave Courbet (1819 - 1877), connu pour ses portraits de femmes nus, et un portrait en particulier "Modele Assise dans le Studio de l'Artiste", ou une femme nue assise, a son regard directement vers le peintre et le spectateur, avec une attitude tres detendue, avec derrriere elle, le portrait formel que le peintre avait fait d'elle. Michael Sutton observe que la femme protagoniste en face de la peinture faite d'elle, parait nous dire "Ceci est ma vraie personne, ne vois pas l'image derriere moi, celle n'est une imposition, une farce." Cette franchise est desarmante, surprenante, intime. Le peintre danois expressionniste - symboliste, Edvard Munch (1863 - 1944), fameux pour sa peinture de 1893, "Le Cri" consideree une des peintures qui mieux exprime l'angoisse existentielle de l'etre humain moderne, a lui aussi fait des portraits ou le trait du protagoniste assis communique un contact d'intimite entre le peintre, le protagoniste et le spectateur, en ligne avec la philosophie d'inquietude de l'artiste, qui souffrait d'angoisses intenses depuis son enfance. Un autre artiste qui a fait des portraits marquants ou ses modeles nues ou habillees, sont assises, est le peintre danois Paul Gustav Fischer (1860 - 1934). Le peintre par excellence qui a su donner une dimension unique a ses portraits ou ses protagonistes sont assis, est le peintre irlandes - anglais Francis Bacon (1909 - 1992), connu pour ses portraits et auto - portraits crus, choquants, et qui disait que son but etait d'aspirer "the brutality of fact": "la brutalite des faits." Francis Bacon, qui voyageait grandement en Egypte, et qui avait une fascination pour l'art egyptien qu'il declarait supreme, surtout le Sphinx de Giza, est connu pour le fait qu'il a pris une attitude esthetique unique envers le protagoniste assis dans ses portraits: il leur enleve dans certains de ses portraits, le siege, ce qui donne l'impression que la personne flotte dans une espace geometrique ne pas claire, maladroite. Cette decision met au centre l'illusion visuelle, comme dans sa peinture de 1960, "Figure Assise", qui est possiblement un auto - portrait de l'artiste. Les portraits de Francis Bacon se vendent pour des millions de dollars, et en 2013, ses portraits, "Trois Etudes de Lucian Freud" (1922 - 2011), ami et collegue de Francis Bacon, et le grand fils du pere de la psychanalyse, Sigmund Freud ( 1856 - 1939), s'est vendu pour 142.4 million de dollars, le prix le plus haut pour une oeuvre d'art a ce moment, plus haut que la peinture "Le Cri" de Edvard Munch, et "Salvator Mundi" de 1499 - 1510) de Leonardo da Vinci (1452 - 1519).  Le theme du protagoniste assis dans la portraiture, est ainsi d'une importance esthetique autant que philosophe, pour donner attention a la condition humaine, qui au debut du XXIeme siecle doit affronter un monde precaire, et savoir lui faire face avec confiance, avec audace, avec authenticite, que ce soit de facon sombre, comme dans le cas des portraits assis des artistes du XIX eme et XXeme siecles, de Francis Bacon, ou de facon determinee, sure, comme dans les portraits assis realistes de Gustave Courbet, de facon inquetante comme les portraits expressionnistes - symbolistes d'Edvard Munch, les portraits en style naturaliste du peintre danois Paul Gustav Fischer, et les portraits philosophe - narratifs post moderne du photographe kabyle Nacer Amari. L'art de la portraiture de la photographie de Nacer Amari trouve a chaque fois, comme dans son portrait assis de son frere "Djahid", un equilibre reussi entre un style de realisme et de nostalgie, qu'il unit avec equanimite a un esprit neo - baroque resistant avec au centre l'identite culturelle kabyle qu'il documente et decrit dans ses portraits avec clarte et perspicacite esthetique et affective. 

Trudi Ralston

La recherche sur les portraits assis, et sur les artistes Gustave Courbet, Paul Gustav Fischer, Edvard Munch, Francis Bacon et Lucian Freud, courtoisie de Wikipedia, ainsi que l'article du 19 novembre 2020, de Michael Sutton, "The Seated Portrait", dans "The OU BLOG", de "OVERGOUND UNDERGROUND".       

Une Energie en Couleur Fauve: Le Symbolisme Hardi du Portrait "Smail Ouchene" de Nacer Amari - dans la serie "La Flute et l'Echo"

              Un portrait du 20 septembre 2023, en pied et en couleur, "Smail Ouchene" de la part du photographe d'Aokas, Nacer Amari de Tassi Photographie, donne une chance double de lui explorer son symbolisme qui unit deux elements de qui leur juxtaposition emet une ambiance d'intrigue esthetique tres attirante: le symbolisme de la couleur orange du shirt brillant du protagoniste, et le symbolisme de la grotte et son cascade en arriere plan. Cet article va mettre en contexte artistique - historique ces deux symboles, de ce portrait arretant pour son dynamisme reflexif. Les mots du photographe nous invitent dans le rythme vif et au ralenti envoutant de son portrait: "Smail Ouchene" est un peintre d'Aokas, il est professeur a l'ecole des Beaux Arts d'Alger. Je lui ai pris en photo devant une petite cascade sur les hauteurs d'Aokas lors d'une sortie photo pendant le salon africain de la photographie. Y avait un beau reflet sur l'eau transparente et fraiche au premier plan, et un mouvement permanent en arriere plan." Les lignes du mouvement du portrait, mettent le protagoniste et son shirt orange, en position decentree, ce qui ajoute a cette couleur qui est si importante dans les peintures de l'art avant- garde des deux premieres decennies du XXeme siecle, dans le mouvement du post - impressionnisme, qui donnerait vie au mouvement du fauvisme. Le post - impressionnisme du monde des peintures de Vincent Van Gogh (1853 - 1890), de Paul Gauguin (1848 - 1903), qui allait inspirer les visions de Henri Matisse (1869 - 1954), le leader du mouvment du fauvisme, qui avait une fascination pour les couleurs brillantes des peintures de Vincent Van Gogh, et qui ensemble avec Pablo Picasso (1881 - 1973), est vu comme etre un des artistes qui allait grandement influencer les perspectives sur l'esthetique de peintures avant - gardes des premieres decennies du XXeme siecle, et allait mener a l'expressionnisme, et l'art de Wassily Kandinsky (1866 - 1944), qui allait associer les couleurs d'une peinture, comme une facon de communiquer, egale en force comme la composition, les lignes, telle une musique, et son mouvement, pour rendre accessible l'esprit de l'artiste et ses visions. Le post - impressionnisme et le fauvisme, l'expressionisme, l'art abstrait, avait une predilection pour les couleurs brillantes, et la couleur orange y a une position centrale, qui continue jusqu'aujourd'hui, et qui a laissee un heritage unique de peintures faites par les mouvements avant - gardes du modernisme et le post - modernisme, d'Evard Munch (1863 - 1944) et sa peinture d'angoisse existentielle deroutante, "Le Cri" de 1893, qui parait predire les horreurs des deux guerres mondiales du XXeme siecle, et leurs effets dechirants sur le psyche de l'homme moderne, aux peintures de proportions exagerees de l'artiste de la Colombie, Fernando Botero (1932 - 2023), qui travaillait et vivait surtout a New York et apres a Paris, et de qui la couleur orange est presqu'une signature de ses portraits ou les personnes tres obeses indiquent un point de vue cynique envers la politique de corruption et desequilibre social de son pays. La couleur orange avait deja vu une expression symbolique dans les peintures de Nicholas Fouche (1653 - 1733), comme dans sa peinture "Pomona" ou la deesse voluptueuse de l'abondance est habillee en robe orange, et la peinture de Sir Fredrick Leighton (1830 -1896), "Flaming June", "June en Flamme", d'une jeune femme endormie et souriante, en robe orange brillante transparente, qui trace son corps sensuel et ses formes seduisantes, et qui lui montrent les cheveux aussi roux - oranges, ce qui etait un trait des peintres pre - raphaelites, de qui Leighton etait un adherent, et qui ainsi voulaient celebrer l'esprit feminin rebelle, fort et independant. La peinture "Lady Godiva" de 1897, de l'artiste anglais John Collier, qui montre la rebelle legendaire toute nue, sur un cheval blanc, assis sur un grand manteau orange, et avec ses cheveux longs rouges son seul habit, en defi de son mari qui n'aimait pas son esprit libre. Cette presence de la couleur orange a une longue histoire dans les arts, et remonte a l'art funerair de l'Egypte ancien, et on trouve cette couleur aussi dans le Bouddhisme et l'Hinduisme, ou elle est une couleur de devotion spirituelle, comme dans les robes de couleur orange des moines bouddhistes, ou cette couleur represente le pouvoir purifiant de la flamme. Le mot orange, derive du mot Sanskrit "naranga", qui se traduit comme "senteur." En Chine et au Japon, la couleur orange est associee avec le souhait pour le bonheur, la sante et la resilience. Le fauvisme, favorisait les couleurs vives, comme la couleur orange, vert, rouge, "fauves" selon le mepris du critique Louis Vauxcelles, envers les Salon d'Automne de 1906, qui declarait l'art de Matisse et ses collegues comme celui des sauvages, de "fauves", mais avec le temps l'insulte devint le nom du mouvement de qui son impact reste, de ce mouvement de qui Gustave Moreau fut l'enseignant qui inspirait sa philosophie audace de couleurs comme protagonsiste audace dans les annees 1890, et de qui a partir 1904, Henri Matisse etait le leader, qui suivrait l'idee d'apprecier les couleurs pures pour leur pouvoir inspirateur. Henri Matisse allait passer du temps en Afrique du Nord, en Algerie, en 1906, et au Maroc en 1912, pour etudier l'art africain, qui allait grandement influencer son art apres. Wassily Kandinsky aussi, ainsi que Sir Fredrick Leighton, faisaient des voyages en Afrique du Nord, en Algerie, le Maroc et l'Egypte, et l'art du cubisme de Pablo Picasso, un ami de Henri Matisse, qui etait 11 ans plus jeune que le peintre espagnol, qui trouvaient dans l'art africain et ses expressions geometriques symboliques spirituelles une beaute, force et genie inegales. 

               Le second symbolisme du portrait "Smail Ouchene" du portraitiste et l'artiste visuel Nacer Amari est la presence a la fois classique et nouvelle, neo - moderne pour ainsi l'apprecier son flair esthetique quant a composition, de la grotte en arriere plan, que la cascade discrete introduit, qui nous y invite a ses mysteres, a son monde et ses espaces inconnues, et leur promesses, leur mythologie de nymphes, d'esprits des eaux, de la foret. Le mot "grotte" a des origines dans l'ancien grec, du mot "crypta", qui veut dire "espace cachee", ce qui se traduit en italien comme grotta, et dela le mot grotte. Les grottes etaient tres populaires dans la culture des anciens grecs et romains: les grottes etaient un trait des oracles de Delphi, de Corinthe et de Clarus. La ville hellenistique - qui se refere a la periode apres la mort d'Alexandre le Grand ( 356 B.C. - 323 B.C.), et la defaite de la pharaoh Cleopatre et le general Marc Antoine par l'empereur Octave en 31 B.C , qui allait repandre la culture grecque a travers l'Asie Centrale, l'Egypte, et la Macedonie - de Rhode, avait dans ses desseins des grottes artificielles incorporees, construites pour donner l'impression d'etre faites par la nature. En Ticino, la partie de la Suisse parlant italien, les grottes etaient construites ou on gardait le vin et les provisions et etaient faites en utilisant la morphologie extante des rochers en situ, pour creer des chambres fraiches. A l'entree de ces grottes, il y avait des tables et bancs en roche, ou les agriculteurs pouvaient se reposer et rafraichir. Au XVIIIeme siecle, les grottes devenaient un trait de grands jardins, pour la bourgeoisie et les aristocrates, et apres 1782, l'interet dans les grottes artificielles disparait, sous l'influence du mouvement picturesque anglais, qui allait mener au mouvement du romanticisme, qui voulait apprecier la nature telle elle est, ne pas manipulee par l'etre humain. A partir de la seconde moitie du XXeme siecle, les grottes comme dessein contemporain apparaissent de temps en temps, comme en 1964, dans les grottes de Frederick Kiesler, sa "Grotte de Meditation pour une Nouvelle Harmonie"; comme l'artiste ARM'st post - moderne "Storey Hall" de 1995; "Grotto Concept" de Aranda Lach de 2005; "Grotto Pavillion" de Callum Moreton de 2010; et "Grottoes Series" (2013 - 2016) d'Antonio Cardillo. Les grottes sont des lieux de mystere, d'entree a l'inconnu, sont des sites qui invitent l'imagination, de vouloir leur explorer leurs espaces, et ses secrets. Le portrait du peintre Smail Ouchene en face d'une grotte, avec sa grande entree, en face de laquelle il se sent a l'aise, est un beau symbolisme du fait que ce sont les artistes qui vivent entre deux mondes, le monde de l'exterieur, concret, du quotidien, et le monde interieur de l'art, qui demande une attitude ouverte, un esprit avonturier, audace, qui n'evite pas le risque, l'inconnu, qui cree des mondes ou l'imagination prend forme, couleur, vie. C'est cet esprit et son courage, qui donne depuis le debut des civilisations de cette terre, naissance aux mouvements artistiques avant- gardes, qui definent les expressions et attitudes culturelles de l'etre humain, dans la peinture, la sculpture, la danse, la musique, le theatre, l'architecture, la photographie et son evolution exponentielle en importance artistique depuis son invention vers la fin du XIXeme siecle et sa consequente popularisation vers la seconde moitie du XXeme siecle, et l'impact de la technologie numerique du debut du XXIeme siecle. Le portrait "Smail Ouchene" du photographe kabyle Nacer Amari, avec ses couleurs audace d'orange, vert, bleu et marron intenses, et leur reflet dans l'eau en face de la cascade et de la grotte, avec la composition de juxtapositions libre, a une forte resonance de l'influence post- impressionniste du fauvisme, et a en meme temps, une ambiance d'esthetique classique, pour la presence centrale de la grotte, devant laquelle se trouve le peintre. Cette inclusion de couleurs fauves, surtout dans l'orange vif, et du theme classique de la grotte, creent une tension envoutante, qui celebre la photographie et l'artiste qui est dans ce cas son protagoniste, pour creer un portrait en pied ou la grotte et sa proportion imposante en comparaison du peintre Smail Ouchene, communique les defis souvent considerables, que doivent affronter les artistes dans un monde qui souvent ni les comprend, ni les apprecie, qui souvent les exile, les nie leur originalite, leur genie, leur en veut pour voir clair dans les illusions du monde et ses hypocrisies, et qui leur fait souffrir pour leur visions audaces et avant- gardes, au moins pour plusieurs generations ou meme plus, avant de decider que leur art est exceptionnel et vaut la peine de mettre dans des musees et les vendre pour beaucoup d'argent, une fois que l'artiste n'est plus de ce monde, comme fut et reste de cas pour beaucoup de genies artistiques, comme Vincent Van Gogh, qui avait a peine assez d'argent pour survivre, et de qui ses peintures valent des millions de dollars maintenant. L'artiste est celui et celle qui fait face sans hesitation a l'inconnu, au mystere irresolu, au tabous etouffants, a l'ignorance et son mepris, qui sait toucher l'extase de vivre la vie comme une avonture unique, qui refuse de vivre endormi en coeur, corps et esprit. Le portrait "Smail Ouchene" unit a travers sa composition libre, et l'attention aux couleurs vives, du protagoniste et la nature dans laquelle il se trouve, face a la camera narrative et la sensibilite astucieuse de Nacer Amari, reussit communiquer, comme etait la philosophie de fauvistes, la verite que les couleurs ont autant a dire que la composition et ses lignes memes, que la couleur, comme en etait convaincu Wassily Kandinsky, permet a l'artiste de s'exprimer son identite spirituelle, comme etant sa propre langue, telle la langue des notes d'une musique. Ce portrait a des notes avant - gardes dans un sens concret, de voir avec clarte que l'artiste a une mission, depuis la nuit des temps: celle de nous reveiller de nos illusions, de nous montrer l'entree transformative, exhilirante, au monde des arts, et ses visions libres, grandes, originales, sa deliverance, son espoir, sa force et son energie sublime. 

Trudi Ralston

La recherche sur l'origine de l'importance de la couleur orange dans le monde des arts, et specifiquement dans les mouvements du post - impressionnisme et le fauvisme, courtoisie de Wikipedia, ainsi que la recherche sur l'importance historique et artistique de la grotte, et l'information sur les artistes avant - gardes et leurs precedents quant a l'evolution de l'importance de la couleur comme theme et forme de communication artistique. 

Le Passage Reticent du Temps: Les "Empreintes de Pas" de Nacer Amari - dans la serie "La Flute et l'Echo"

          Une photo en blanc et noir du 10 septembre 2023, de la part du photographe d'Aokas, Nacer Amari de Tassi Photographie, se presente telle une aquarelle, pour y voir les impressions stylistiques d'un pinceau fin qui laisse ses traces calmes, reflexives. La photo montre des empreintes de pas, de pieds nus, qui viennent de traverser un pont en bois, de qui se note son effet vieilli par l'usage et le temps. Les empreintes sont faites en eau, ce qui rend tres clair le contour des pieds qui y ont passes. Cette photo en augmente son esprit reflexif, etre faite en noir et blanc, et de montrer le pont de la point de vue des pieds. "Empreintes de pas" possede un minimalisme qui rappelle a une peinture zen, de qui l'esthetique reflexive cherche a exprimer sa philosophie de tolerance, d'inclusion, de paix. Ce que le photographe Nacer Amari reussit a unir a travers son image "Empreintes de Pas" nous accueille au monde zen, ou les empreintes humaines comme expression visuelle artistique ont un symbolisme qui remonte aux racines au Veme siecle B.C., du bouddhisme en Inde, et sa diffusion de son culte, a travers l'Asie du Sud et le continent sub - indien, ainsi que la Chine, et a travers de communautes diaspora de beaucoup de pays du monde, comme ici a Olympia qui a une communaute bouddhiste d'origine du Vietnam tres active. Dans le monde de symbolismes visuels, les empreintes de pas sont vus comme evidence physique, qu'on a une presence, qu'on a traversee un chemin. Dans un sens figuratif, une empreinte de pas est evidence de la presence ou influence de quelque chose, ou de quelqu'un. Il y a une peinture surrealiste de la part de l'artiste russe Prevedentsev Gennady (1950), de Krasnodar, en Russie, ou il vit et travaille, et qui a fait des expositions en Yougoslavie, Allemagne, le Cypre et l'Ethiopie: la peinture s'appelle "Empreintes du Temps", et revele une influence marquante du style du peintre surrealiste espagnol, Salvador Dali (1904 - 1989), specifiquement la peinture de Dali de 1931, "La Persistance de la Memoire". La peinture de Prevedentsev Gennady, montre une empreinte d'un pied geant rempli d'eau, et avec des restes d'une grande horloge qui s'etend a travers la longueur de cette empreinte, dans un desert vide autre que la presence d'un coucher de soleil brillant qui illumine son horizon. Cette empreinte geante parait suggerer une ambiance spirituelle, de mystere, et le desir de le comprendre, le resoudre. Faire des peintures, des sculptures, larges, meme tres larges, d'empreintes, on trouve dans les sculptures immenses du Bouddha, en Yangon, Myanmar, une statue du Bouddha allongee, de 66 metres, qui montre les pieds geants avec sur la plante des pieds, en dessins symboliques, les 108 points du caractere divin pour permettre atteindre l'ultime transcendance spirituelle. La veneration des empreintes spirituelles des plantes du pied du Buddha, sont un theme important, qu'on voit repetee en images, a travers les temples buddhistes de l'Asie du Sud et de la Chine. L'importance de laisser des empreintes historiques - culturelles trouve un exemple aussi dans une statue geante de l'empereur romain Constantine I (c.272 A.D. - 337 A.D.) qui regneait de 306 - 337 A.D. et qui est vu comme l'empereur qui a marquee la transition de l'empire romain de l'Antiquite, vers le Moyen Age. Cette statue, avant de se trouver en pieces, etait dit d'avoir une hauteur de 12 metres. Ce qui reste de son immensite, sont, la main droite, la tete qui a une hauteur de 2 metres et demie, et les pieds qui mesurent chacun plus de 2 metres. Certainement, on peut voir le symbolisme des empreintes de longue duree qu'avait laissees cet empereur, et meme en pieces demontees, l'effet est impressionnant et aussi deroutant. 

           "Empreintes de Pas" de l'artiste visuel Nacer Amari avec la texture de la traversee usee le point dominant, prend charge des empreintes mouillees qui sur elle avancent, dans un rythme reflexif, comme les notes d'une feuille de musique. La traversee dans ses lignes grises - blanches comme faite a l'eau et une encre legere, se parait meme a un clavier de piano, mis debout comme une echelle, un symbolisme qui ajoute une certaine energie musicale aux empreintes des pas de pieds nus, qui avec leur ombre foncee font un beau contraste visuel avec le gris ombree claire des planches que les empreintes fraiches et ephemeres traversent. Il parait y avoir meme une complicite entre la traversee patiente et les empreintes resolues des pieds, ils se touchent mutuellement, sont tous les deux chemin et but, defi et resolution. Un motif central de la philosophie zen qui a ses origines dans les aspirations spirituelles bouddhistes, est la capacite et la liberte qui s'en suit, de vivre dans le moment, ne pas avec indifference ou impatience, mais avec la sagesse de se savoir une partie integrale de l'immensite de l'univers dans toutes ses manifestations. Vivre dans le moment, qu'il soit penible ou sublime, permet de voir clair, de vivre avec vision et charite, avec tendresse et sagesse, avec tolerance et optimisme. Les empreintes de pas qu'on ainsi arrive laisser, ont un impact, qui depasse les manies de l'ego. La patience est une necessite de laquelle je m'en ai vu lui voir me guider d'un passe dur vers un present d'equilibre, de paix interieure, cette traversee m'a ete rendu accessible grace aux empreintes me laissee par le coeur et esprit eternels Berberes de la Kabylie. Le passage reticent du temps, adoucit ses exigences dans l'accueil genereux et tolerant que j'ai decouvert sur les rives de l'Algerie, qui m'ont menee le chemin de poete, vers la Kabylie, qui depuis me traduit les melodies de ma muse en espoir, en courage, en joie, en visions libres, sures de leurs notes, de leur destin. Ce poeme est en hommage de "Empreintes de Pas", dans laquelle Nacer Amari sait unir ses sensibilites artistiques a la perspective intemporelle et profonde, ancienne et resistante kabyle qui sait maintenir l'equilibre entre une serenite spirituelle, et une chaleur de coeur courageuse et fierement libre. Le nom du poeme est une reflection de ce courage, de cette charite et sa sagesse: 

Le Passage Reticent du Temps 

Entre ombre et lumiere, les empreintes que laissent nos pas se revelent, peintes avec le pinceau ephemere que nous laisse pour sa traversee precaire, le pont du destin. 

Ce pont qui unit le temps et son passage, cette eau qui coule, cette riviere, entre hier et demain, qui laisse ses traces, ses memoires de nos pas sur son chemin. 

*****    

Entre ombre et lumiere, les empreintes que laissent nos pas se revelent, et si ces pas ne restent que pour une duree mesuree, avec un peu de chance, leurs empreintes illuminent les pas de la personne suivante, qui trouve du courage, de l'espoir de savoir que le chemin a faire est faisable. 

*****

Si par hazard les empreintes de pas sont celles d'une personne qui connait les defis de notre vie, de notre coeur, ses joies, ses douleurs, leurs traces non seulement vont guider ce qui apparait comme sentier a suivre, a surmonter, elles vont aussi dessiner les melodies et leurs resonances, de nos reves, de leurs mysteres. 

Trudi Ralston

"En fait, ton ame et la mienne sont une et la meme, on apparait et disparait l'une dans l'autre."                       - Rumi -  (1207 - 1273)