Une Integrite Viscerale: L'Approche Minimaliste dans "AISSA" de Nacer Amari - dans la serie "L'Hurlement des Loups du Midi"

            L'idee d'un mouvement artistique est rarement isolee, est rarement juste un enfant prodigieux, qui existe seul sur une scene de theatre privee. Au contraire, les mouvements artistiques suivent une chaine presque genealogique, et decidemment archeologique, que ce soit de facon retro - active, comme le neo - baroque de nos jours, qui se repand comme un eventail immense dans les expressions urbaines - technologiques - anthropologiques du monde du XXIieme siecle, ses seismes culturelles - sociales et ses menaces geologiques et ecologiques, ou que ce soit dans les mouvements du neo - impressionnisme, neo - romanticisme ou dans la resurgence et re - integration du surrealisme dans le realisme. Un de ces mouvements qui continue de laisser ses traces, ses empreintes durables, est le mouvement artistique du minimalisme. Ce mouvement trouve ses origines aux Etats Unis, comme le photorealisme dit aussi le hyper - realisme, que j'ai discutee dans mon article anterieur, du 13 mars 2025: Le Temps qui Passe: L'Esthetique du Photorealisme dans "Mohammed, le boucher" de Nacer Amari. Le minimalisme etait une reaction des annees 1960 -1970 contre le mouvement de l'expressionnisme abstrait. Comme le photorealisme, le minimalisme, pour etre justement, une reaction contre l'expressionnisme abstrait, voulait un retour a une esthetique plus visible, plus claire, quoique, comme le hyper - realisme, le minimalisme et certains de ses artistes, y incorpore des traits du surrealisme des premieres decennies du XXieme siecle. Le minimalisme dans la portraiture en photographie, cherche de "trouver la beaute dans un style simple, qui met en valeur l'individualite du sujet, sans distractions." La portraiture en noir et blanc se prete tres bien pour creer le sens de l'introversion, qui permet aussi dans l'art de certains photographes le desir d'inclure des element surreels, pour exprimer leur experimentation avec la philosophie minimaliste. La photographe slovaque contemporaine, Eva  Chupikova, a su etablir une renommee internationale et su gagner des prix de concours prestigieux, de Paris a Tokyo, pour ses auto - portraits d'une sensualite elegante, sublimee, qui soulignent la meditation introvertie, solitaire, sobre. Elle fut nommee la Photographe Minimaliste de 2024 pour sa serie d'auto - portraits envoutants "Anna".  Les portraits du photographe italien contemporain Giuseppe Mastromatteo (1970), explorent avec une aisance lineaire impeccable les frontieres entre le reel et le surreel, dans les visages de ses protagonistes feminins et masculins, ou la peau devient un interlocuteur pour les yeux, les mains, la bouche, et leurs mouvements en suspension reflexive. Ses portraits ont ete exposees dans des musees, des galleries et dans des festivals de l'art a Milan, Paris, Londres, Miami, Peking, Basel, Instanbul et New York. Un portrait en noir et blanc du 4 mars 2025, de la part du photographe kabyle d'Aokas, Nacer Amari de Tassi Photographie, au titre "AISSA", incarne un trait dominant du minimalisme dans la portraiture, autant dans la peinture que dans la photographie: cette insistance audace sur le visceral comme approche esthetique visuelle. Le mot visceral se define comme "profond, instinctif, de profondes emotions", et dans le mouvement visuel du minimalisme, se caraceterise comme ayant des bords durs, une energie lineaire, une forme simple, avec l'accent mise sur une impression spatiale bidimensionnelle. Les mots du photographe sur le protagoniste de son portrait, exemplifient ce que cette esthetique sait communiquer: "Sinon, mon portrait "AISSA", qui s'interesse beaucoup a l'histoire d'Aokas et a l'archeologie. Fils d'un sage, ce qui fait de lui un homme sage et autodidacte. Tres dur et severe ( en apparence) comme Hitler mais sympa et gentil." Et en fait, "AISSA" donne fort l'impression d'etre une personne d'une disposition tres serieuse, de profondes convictions et passions, ce qui permet rendre visible l'introverti de ses traits physiques. Le minimalisme est un mouvement artistique qui veut affirmer qu'une oeuvre de l'art "devrait ne pas etre une reference a autre chose qu'elle meme, et essayer d'eviter toute autre association extra - visuelle." Ce portrait est tres fidel a cette philosophie, dans la facon que "AISSA" reussit de nous absorber completement dans son regard dominant, qui ne s'excuse pas ses intrusions sur notre personne qui lui voient, et que lui a son tour regarde avec une confiance solide, qui ne retrocede pas du defi et de l'energie necessaires de discuter ses points de vue, ses interets, n'importe les obstacles et le scepticisme.  

             L'influence du mouvement minimaliste dans les arts visuels, de la portraiture dans la photographie et de la peinture, continue de nos jours dans une grande quantite de domaines de l'art: le monde de la musique, du theatre, de la sculpture, de la litterature, et decidemment dans son influence tres notable de l'architecture a partir de la seconde partie du XXieme siecle, comme dans les batiments avant- gardes futuristes de l'architecte suisse - francais Le Corbusier (1887 -1965), sa chapelle par exemple de Ronchamp, fameuse pour la lumiere naturelle que permettent les fenetres et l'espace cree pour elles. Il y a deux architectes japonais qui suivent cette esthetique minimaliste qui fait honneur en meme temps a l'influence sur les origines du minimalisme et sa dette que le mouvement doit a la philosophie esthetique - spatiale du Zen japonais: Kazuo Sejima (1956) et son collegue Ryue Nishizawa (1966), recipients les deux du prestigieux Prix Pritzker pour l'Architecture en 2010. Il y a l'architecte japonais aussi Tadao Ando (1941), de qui son oeuvre il dit qu'elle fut influencee par la vision architecturale du Le Corbusier. Dans la photographie, il a l'influence du minimalisme qui est visible dans l'art du photographe anglais Michael Kenna (1953), du photographe japonais Hiroshi Sugimoto (1948), et ses espaces spartanes, ouvertes, sereines de ses paysages. Dans le monde de la peinture et de la sculpture, il y a l'art de Donald Judd (1928 -1994), Agnes Martin (1912 -2004), Anne Truitt (1921 - 2004), Carl Andre (1935 - 2024), Dan Flavin (1933 - 1996), Robert Morris ( 1931 - 2018), et Frank Stella (1936 - 2024).  Dans le monde de la musique, le minimalisme trouvait son expression dans la repetition de motifs, dans la repetition graduelle, comme dans les pieces musicales de La Monte Young (1935), de Philip Glass (1937), qui lui dedie un de ses operas, en 1983, au pharaon egyptien: "Akhnaten". Il y a la musique de Terry Riley (1935), de Steve Reich (1936), du pianiste Afro - americain Julius Eastman (1940 - 1990). Dans le monde de la litterature, du theatre et de la poesie, il y a l'oeuvre des laureats du Prix Nobel des ecrivains americains Ernest Hemingway (1899 - 1961) et du dramaturge et romancier irlandais Samuel Beckett (1906 - 1989), du poete americain Ezra Pound (1885 - 1972) - lui tres controversiel pour ses sympathies fascistes ouvertes pendant la Seconde Guerre Mondiale - et l'ecrivain rebelle americain qui trouverait en France l'acceptacion pour ses ecrits sensuels francs: Charles Bukowski ( 1920 -1994). Le minimalisme a donc laissee ses empreintes durables, surtout dans la photographie du XXIieme siecle, dans la portraiture specifiquement, et aussi dans l'architecture, ce qui est tres indicatif des defis du monde post - moderne et ses perspectives retro - avant gardes: la portraiture se concentre sur l'enigme existentiel de l'etre humain dans un monde chaotique et violent, et l'architecture essaie de donner un contexte spatial aux defis immenses ecologiques de l'humanite, et les menaces pour les espaces publiques et privees du monde, face a la congestion claustrophobique de la population croissante des grandes villes et le chasme agonisant entre les riches et les pauvres, face aux inondations, secheresses, incendies, tremblements de terre, tempetes violentes, qui detruisent  les recoltes, et augmentent le spectre de famines, de guerres civiles chaque fois plus brutales, de recurrences de pandemies devastatrices, qu'affronte la race humaine. Le minimalisme cherche un refuge, une solution dans les espaces visuelles paisibles ouvertes, claires, de son architecture, dans les visages sincers introvertis et meditatifs, interrogatifs de ses photos et peintures en portraits. Le minimalisme cherche une reponse, une alternative pour le chaos et le bruit cacophonique croissant, violent, d'un monde dans lequel on ne voit plus clair, qui est hors de controle. Le portrait "AISSA" du photographe de l'Algerie, Nacer Amari, dans sa qualite esthetique d'une franchise viscerale, passionnee, que communique la personne resolue et son regard ferme, inebranlable, impassible, du protagoniste resolu, calme est une apte synthese de l'element theatrale austere, de l'esthetique et sa philosophie du minimalisme, sa mission inalterable de rendre visible la reflection introvertie qui insiste, qui ne cede pas, et qui sait s'exprimer avec une urgence inexorable, intransigeante.   

Trudi Ralston  

La recherche sur le monde vaste du mouvement artistique du minimalisme, et son influence croissante et continue dans les arts et les interpretations multi - dimensionnelles de son style et son esthetique, de la part de ses adherents du XXieme et du XXIieme siecles, courtoisie de Wikipedia. 

L'Espoir, n'est pas un Sentiment: dans la serie "Au - Dela des Ombres de Demain"

             On vit dans une region des Etats Unis, la region du Pacifique - Ouest, ou en automne et hiver, on a une bonne quantite de tempetes de vent et de pluie. Mettre sous les avant - toits, une egale bonne quantite de carillons eoliens, de differentes notes, tailles, ajoute une mesure de fantaisie musicale, ces jours gris entre les saisons. Ce matin, avant l'aube, le carillon eolien le plus grand, chanteait ses pas de danse metalliques avec grande insistance, et le rythme sur le souffle du vent, m'a inspiree ce poeme, d'un ton un peu sombre peut - etre, vu le chaos stupefiant dans le monde en ce moment, qui ne parait que devenir plus absurde avec chaque heure qui passe:

L'Espoir, n'est pas un Sentiment 

L'espoir, n'est pas un sentiment, ce n'est pas une chemise, qu'on garde en reserve, au fond de la valise qui contient ce qui reste des reves de notre esprit. L'espoir n'est pas une colere, ne pas un cri qui se perd dans le vide. Plutot, l'espoir est le feu qui commence dans le coeur avec le premier souffle qu'on a pris au moment de notre naissance. 

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L'espoir, n'est pas un sentiment, c'est la douceur parmi le dur, c'est la caresse qui enleve la larme de ceux qui ne nous comprennent rien, qui ne voient pas le lac des larmes dans lequel leur indifference nous abandonne. L'espoir il ne demande rien. 

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L'espoir, c'est le sourire qu'on donne a l'etranger aux yeux tristes, quand le noir nous trouve sans direction ou guide, c'est le bonjour plein de soleil qu'on partage quand est loin de notre coeur la chance au bonheur. L'espoir est le pas sur et humilde qui anime le courage quand regne la terreur et le mal. 

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L'espoir est l'enfant de l'amour, qui nous prend la main et qui assure que le feu de son etoile brillante, ne s'eteint pas sans resistance heroique, et c'est ce meme espoir qui repandra la senteur de sa fumee sacrale, dans la brise, longtemps apres que le feu de notre vie,

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de ses reves, de ses amours et tendresses, de ses douleurs et victoires, sera eteinte, quand on ne sera q'une memoire fragile dans le coeur de ceux qui ont eu le courage de nous connaitre, de nous aimer, et que l'espoir nous aidera a retrouver, dans le monde vaste des esprits, ou les coeurs qui etaient unis sur terre sont permis de se reunir.    

Trudi Ralston

"Ta lumiere est plus magnifique que le lever et le coucher du soleil." RUMI (1207 - 1273). 

  

Le Temps qui Coule: L'Esthetique du Photorealisme dans "Mohammed, le boucher" de Nacer Amari - dans la serie "L'Hurlement des Loups du Midi"

              Un portrait en noir et blanc du 24 fevrier 2025 de la part du photographe d'Aokas, Nacer Amari de Tassi Photographie ouvre la porte sur une vue d'un mouvement artistique qui continue d'exercer une influence hypnotique pour son impacte direct, brusque des fois, quant a son interpretation franche de la realite postmoderne qu'essaient de comprendre, et rendre visible les peintres, sculpteurs et photographes artistes de nos jours. Le pouvoir envoutant du portrait "Mohammed, le boucher" est dans la force du regard, qui n'est pas ni exigeant, ni evasif, ne pas conflictuel, ne pas de resignation non plus, c'est un regard complexe, ou s'unissent la confiance calme et une patience chevronnee. C'est un regard, qui est different pour ne pas se diriger vers le monde exterieur, mais qui sait diriger sa direction visuelle du spectateur vers son propre monde interieur, ou le regard observatif, vigilant, du boucher Mohammed, etale pour le spectateur curieux, un monde interieur riche en sensations, en comprehensions, en horizons, en conflits vaincus. On sent dans le regard du portrait "Mohammed, le boucher" qu'il s'agit d'une personne qui garde des observations astucieuses sur la nature humaine, qu'il s'agit su'une personne qui possede un esprit genereux, patient, de nuances subtiles. C'est un portrait ou rayonne cette energie concrete, precise du realisme, que la photographie a grandement influencee comme mouvement dans la peinture, la sculpture et qui en a recu meme son nom: le photorealisme. C'est un mouvement absolument fascinant, qui a ses origines dans les annees 1830 - 1840, a cote de la revolution sociale - culturelle et technique, qu'etait la photographie comme nouvelle expression artistique, qui savait capter les details de facon qui rivalait la precision historique des peintures, et qui allait inspirer en fait, les peintres d'imiter la precision et clarte technique de la photographie, comme le chercheait de faire le surrealisme du debut du XXieme siecle, par exemple dans l'art dramatique avant - garde du peintre espagnol Salvador Dali (1904 - 1989), et comme dans les portraits et paysages et natures mortes du peintre belge Rene Magritte (1898 - 1967), je pense specifiquement a sa peinture de 1928 - 1929, "Ceci n'est pas une pipe." Le photorealisme comme mouvement prend sa forme definitive dans les annees 1960 - 1970, aux Etats Unis, et s'exprime dans des paysages, et natures mortes, et des portraits, dans un style qui s'appelle aussi le hyper - realisme, pour en fait vouloir atteindre la meme precision visuelle concrete, factuelle, que sait produire une photo, comme dans les paysages ruraux et urbains de John Baeder (1938). Le photorealisme etait une reaction passionnee contre le mouvement moderniste de l'expressionnisme abstrait, un contrepoids qui voulait etre un contraste avec les peintures d'artistes comme le peintre americain Jackson Pollock (1912 - 1956), le peintre allemand - americain Hans Hofmann (1880 - 1966) et le peintre hollandais - americain de grande influence, Willem de Kooning (1904 - 1997). La liste de la premiere generation des artistes du photorealisme inclut: Richard Estes (1932), Charles Bell (1936 - 1996), Don Eddy (1944), Robert Bechtle (1932 - 2020), John Salt (1937 - 2021), Ben Schonzeit (1942), et Tom Blackwell ( 1938 - 2020). John Baeder (1938), Jack Menderhall (1937), et Idelle Weber (1932 - 2020), sont de la deuxieme generation d'artistes peintres hyper - realistes, qui inclut aussi les Iles Britanniques et l'Irlande avec l'art de Michael Gorman (1938 - 2022) et Eric Scott (1945), un artiste de qui on voit interessant de noter, une re- introduction de certains elements surreels dans ses toiles. Dans le monde de la sculpture il y a les sculptures hyper - realites audaces de Duane Hanson (1925 - 1996), qui initiait le style Veriste, du mot latin "verus", "vrai", qui etait un style de portraiture romaine d'entre 147 - 30 B.C. important pour l'hyper - realisme qui rend les bustes romaines de cette epoque hyper - modernes. Les sculptures en fibre de verre, peintes et habillees, de l'artiste americain Duane Hanson ont un effet deconcertant, derangeant en fait, pour leur franchise du physique des personnes sculptees, toutes a base de personnes reelles, qui leur montre souvent de facon grotesque, vulnerable, tragique aussi. Ses sculptures photorealistes de Duane Hanson sont ainsi aussi un commentaire social, sur le vide, l'ennuie, la tristesse, l'isolation, le ridicule, et la solitude de la vie urbaine moderne et ses mirages, ses illusions, ses abus. Les sculptures photorealistes de l'americain John de Andrea (1941) se concentrent sur le nu, souvent dans des poses controversielles, voyeuristes. La nouvelle generation des artistes hyper - realistes ajoute un element retro - avant garde, comme dans les portraits du peintre anglais contemporain, Clive Head (1965): ses portraits montrent un interet vif dans les passage du temps, et pour accomplir cet effet visuellement, le peintre inclut le dedoublement des visages dans des differentes angles, pour suggerer cet avancement chronique, ce qui cree un effet de mouvement et dynamisme au ralenti, tres captivant de ses toiles faites a l'huile. Un autre trait du mouvement du hyper - realisme ou photorealisme de la nouvelle generation, a partir de la seconde partie du XXieme siecle, est sa repandue internationale, et les exemples de beaute envoutante de portraits qui rendent le style du photorealisme dans un style de precision superbe, comme le sait faire le portraitiste de la Chine au talent de genie, Len Jun (1963), ou la frontiere entre peinture et image photographique disparait comme dans une mise en scene de la part d'un magicien visuel hyper - adepte. Il y a donc les deux poles dans le mouvement du photorealisme en ce moment de sa nouvelle esthetique : d'un cote, il y a le retour a certains elements qui datent d'avant la periode post - moderniste, qui inclurent des elements de l'expressionnisme, de l'impressionnisme, du cubisme, et du surrealisme, comme dans les portraits du peintre anglais Clive Head, qui cherche de rendre non seulement le visible mais aussi l'invisible, comme le passage du temps que vivent ses protagonistes. Et, il y a une passion pour celebrer le reel, concret, physique dans toute sa beaute exquise, comme dans les portraits de ses protagonistes feminines du peintre chinois Len Jun, qui sont d'une finesse minutieuse et precision eblouissante, magnetisante, qui rend visible les plus petits details des couleurs, des tissus, des traits de l'expression du visage, de la texture des cheveux et leur coiffure, de la lumiere sur la peau, des yeux. Le portrait "Mohammed, le boucher" du photographe kabyle Nacer Amari est une celebration en energie vibrante, qui rend visible le monde interieur du spectateur en fait, dans la reussite fine, deliberee, du regard exterieur de Mohammed, le boucher patient, qui se dirige avec deliberation sure, vers le spectateur, vers son monde interieur. C'est un beau tour de force visuel - psychologique, de renverser la perspective, d'un portrait avec une vue exclusive du monde interieur de son protagoniste, vers un portrait qui devient une fenetre ouverte, sur le monde de l'observateur, de qui le protagoniste du portrait devient le gardien de ses secrets, de ses contradictions ne jamais avant vues, ni exprimees, et que ce portrait envoutant en sait suggerer les silences complices, dans un style qui unit le photorealisme et ses sensibilites postmodernes, aux touches de nostalgies modernistes pour le desir artistique, de vouloir franchir la frontiere entre le visible et l'invisible. "Mohammed, le boucher" ainsi encourage le dialogue, interne, ou a haute voix, sur l'eternel dilemme existentiel que pose la vie: de rester a l'exterieur des autres, ou de risquer la vulnerablite et ses joies et douleurs de frapper avec courage et volonte sur la porte de l'ame, du coeur autrui, et d'obtenir ainsi l'entree et la permission de connaitre, de decouvrir le monde interieur, l'intimite unique d'une autre personne. J'ai fort l'impression que le protagoniste "Mohammed, le boucher" de ce portrait captivant de Nacer Amari, en comprend et valorise la question, la valeur, et les complexites, un trait de la sagesse, de la charite, de la tolerance, que le photographe sait rendre tangible, desirable, de facon visuelle - affective decisive et brillante.  

Trudi Ralston     

La recherche sur le mouvement du photorealisme ou hyper - realisme dans la peinture, la sculpture et la photographie comme esthetique postmoderne, ses origines et ses artistes a travers plusieurs generations d'expression, courtoisie de Wikipedia. 

Soliloque de l'Ame Abandonnee - dans la serie "Au - Dela des Ombres de Demain"

             Le ciel ce matin ici est d'un gris bizarre, refletant une lumiere dure, camoufflee par une couche dense d'ombres qui paraissent etre collees avec indifference sur le souffle d'un sommeil inquiet du ciel. Les arbres encore nus d'un hiver qui resiste s'enaller definitivement, donnaient l'impression d'etre des acteurs sur une scene qu'avait oublie le temps, augmentee par l'absence du choeur d'oiseaux joyeux qui visitent le jardin les jours de soleil, et les jours moins froids ou moins sombres. Dans ce silence etouffant, un chant insistant s'est mis dans mon coeur, de qui ensuite est issu ce poeme, que je dedie a ma Kabylie, si loin, si proche, tout en un, et qui vit dans mon esprit comme une blessure chaude, eternellement brulante, de ce manque qu'elle me laisse quand je n'entends pas sa voix, quand je ne vois pas son sourire, quand je ne sens pas le soleil de son regard ou s'unissent le desert et les montagnes, la mer et ses memoires:

Soliloque de l'Ame Abandonnee  

Et si j'etais, pour te rassurer, une couleur de ton ciel, legere, claire, haut parmi la lune et les etoiles de ton firmament. Et si j'etais une brise des vagues de tes plages, qui le soir adoucit ta fatigue avant d'aller dormir. Et si encore, j'etais un eclat de rire, d'un de tes enfants quand ils jouent en famille les jours chauds d'ete, quand tu as le temps de rever pour un moment, avant que le monde t'exige l'effort de continuer de croire dans les promesses de demain. 

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Est - ce que alors, dans ces moments, ou je serai invisible, tu me pardonnerais mes urgences de poete sans pays? Est - ce que alors, dans ces moments fuyants de joie, de l'espoir, ou je ne serais qu'une ombre discrete, sur le rythme de tes melodies anciennes, je serais enfant inclus dans l'histoire de ta terre, des visions de tes ancetres? Est - ce alors, dans cette charite chaleureuse, tu me permettrais, danser sur les pas de ton etreinte de mon ame et coeur si longuement vivants avec les empreintes douloureuses de mes racines effacees? 

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Si j'etais alors, juste pour te rassurer, une enfant precoce, qui jouait avec les autres enfants sur la plage ou tes familles celebrent le soleil et ses merveilles, dans son manteau rouge vermillion d'ete. Si j'etais meme juste une couleur que se met le ciel pour rendre plus brillant l'orchestre des etoiles quand vient la nuit. Si mes mots etaient en accent kabyle, et j'etais simplement l'echo d'une flute qui se rappelle le Sahara et ses impenetrables secrets.

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Est - ce que alors, je pourrai finalement croire que le monde connaittra la paix un jour? Est - ce que alors, je pourrai savoir que la vie se ressoude toujours les defis, quand on se sait membre d'une grande famille, qui depuis des milliers d'annees survit, dans les annees dures, et dans les annees de triomphe, unie ne jamais l'ame abandonnee? Est - ce que alors, mon nom serait inscrit dans le sable des reves de ma fiere, resistante Kabylie? 

Trudi Ralston

"Entrez dans mes yeux, et regarde - moi a travers eux, car j'ai choisi un chez moi, bien au - dela que les yeux peuvent voir." -  ( traduit de l'anglais : "Come into my eyes, and look at me through them, for I have chosen a home far beyond what eyes can see." )  - Jalal al - Din Muhammad RUMI (1207 - 1273). 

Relier les Points de l'Espoir: L'Optimisme Moderniste dans "KARIM" de Nacer Amari - dans la serie "L'Hurlement des Loups du Midi"

             Le monde de la photographie est un univers vaste, qui tel un eventail de petales d'une fleur lotus, s'etend dans beaucoup de differentes angles, pour nous montrer une vue qui illumine les lumieres et les ombres de l'esprit humain et ses expressions. Un trait durable de la photographie de l'artiste kabyle d'Aokas, Nacer Amari de Tassi Photographie, est la patience avec laquelle il sait communiquer et rendre accessible le monde interieur des protagonistes de ses portraits. Il sait ralentir le temps, pour le spectateur, et cette technique permet une vue multi - dimensionnelle, une chance de toucher les sensibilites esthetiques cachees de ses portraits, qui temoignent d'une philosophie esthetique d'un esprit curieux, genereux. L'energie positive du portrait "KARIM" du 19 fevrier 2025, fait en noir et blanc, transmet un optimisme qui rappelle aux portraits du peintre allemand - suisse Paul Klee (1879 - 1940). Interessant de noter, que la plupart des portraits faits par Paul Klee etaient en couleur, comme le peintre avait une grande fascination intellectuelle avec les couleurs. Ses theories sur les couleurs dans "Les Cahiers de Paul Klee" sont vus comme ayant la meme importance quant a l'art moderne que "Treatise sur la Peinture" du polymathe italien Leonardo da Vinci (1452 - 1519), quant a l'art de la Renaissance. Ce qui m'a impressionnee voyant le portrait "KARIM" de Nacer Amari, est que ma reponse affective - esthetique me mettait dans le monde des portraits surrealistes de Paul Klee, leur monde de couleurs vibrantes, d'une lutte pour l'innocence, l'espoir dans le monde sombre, incertain au precipice de la Premiere Guerre Mondiale, qu'il avait connu comme jeune soldat, et devant les ombres angoissantes avant la Seconde Guerre Mondiale et la menace de la terreur des nazis, qui allait lui faire prendre la decision de quitter l'Allemagne. L'oeuvre de Paul Klee reflete son sens de l'humour sec, sa vue parfois celle d'un enfant, son interet dans la musique, son energie abondante, qui a laissee un heritage de 10,000 peintures, dessins et gravures, dans le style du mouvement expressionniste - surrealiste. Ensemble avec son ami et collegue, le peintre russe Wassily Kandinsky (1866 -1944), il enseigneait a l'Ecole Bauhaus de l'Art et de l'Architecture en Allemagne, jusqu'a 1933, quand les nazis l'ont fermee, et Klee et sa famille decident de quitter l'Allemagne pour aller vivre en Suisse. Pour Paul Klee, les couleurs representent l'optimisme et la noblesse dans les arts, et aussi un point de repos de l'ambiance de pessimisme dans ses portraits grotesques et ses tableaux satiriques. En 1914, il a fait un voyage en Tunisie, ou la qualite de la lumiere en Afrique du Nord lui impressionne grandement, ce qui allait renforcer sa vue de la musicalite et la brillante qualite des couleurs dans ses peintures. Il retourne en Afrique du Nord en 1928, pour passer une annee en Egypte, et c'est ce sejour qui allait etre a l'origine de sa peinture la plus fameuse, de 1932, "Ad Parnassum", un immense tableau de 3 metres, fait dans le style du pointillisme, rendu fameux par le peintre Georges Seurat (1859 - 1891), mort a l'age de 31 ans, apres qui le mouvement a recu son nom. Dans cette peinture, Paul Klee construit un tableau de milliers de points de couleur, dans le style pointilliste, pour creer l'effet d'une pyramide. Au - dessus de cette pyramide il y a un soleil, et le titre de l'oeuvre indique que la pyramide est une allusion a Apollo et les Muses. Ses explorations de l'Egypte lui laissent avec un sens de connection, de lien avec le pays, que le critique de l'histoire de l'art Olivier Berggruen (1963) decrit comme une sensation mystique: "Dans le desert, les rayons intenses du desert lui paraissaient d'envelopper tous les etres vivants, et la nuit, le mouvement des etoiles etait encore plus palpable." Dans l'architecture des anciens monuments funeraires, Paul Klee decouvre un sens de proportion et de mesure dans lesquels les etres humains paraissent etablir une relation convainquante avec l'immensite du paysage. En plus, la numerologie esoterique avec laquelle ces monuments avaient ete construits, avait une grande attraction pour Paul Klee. La forme de la pyramide aussi exerceait un interet sur la philosophie esthetique de Paul Klee, dans son appreciation de la part de son collegue russe Wassily Kandinsky, qui croyait que l'artiste sincer, authentique, faisait ses creations a base d'une necessite interieure, qui etait telle la pointe d'une pyramide en mouvement ascendant, et que cette pyramide et sa philosophie artistique progressive s'avance vers le futur. Wassily Kandinsky postulait que ce qui etait vu hier comme de l'art avant - garde, est vu comme commun aujourd'hui, et ce qui est vu comme avant - garde aujourd'hui, sera vu comme commun demain. Wassily Kandinsky aussi, allait voyager beaucoup entre les annees 1903 et 1908, avec sa maitresse et collegue - artiste peintre, Gabrielle Munter (1877 - 1962) en Europe, la Russie et l'Afrique du Nord. En fait, ses peintures entre 1935 et 1943 montrent dans leurs couleurs et rythmes ligneaires, une grande influence de l'art africain qui a directement donnee l'origine au mouvement du surrealisme du fin du XIXieme et les premieres decennies du XXieme siecle, avec une resurgence de nos jours du style et ses adherents dans le monde des arts contemporains du XXIieme siecle. On ne peut pas ni comprendre ni apprecier la force artistique, spirituelle, mythologique du surrealisme comme mouvement global historique sans en savoir que ses racines et ses antecedents se trouvent dans la richesse culturelle de l'art africain, qui avait compris la presence ancestrale mystique - sociale - psychologique du surrealisme depuis la nuit des temps, long avant que le mot etait defini par les mouvements artistiques du modernisme, comme est notable dans l'art surreel - cubiste du peintre espagnol Pablo Picasso (1881 - 1973), comme dans sa peinture avant - garde, de 1907, "Les Demoiselles d'Avignon", ou deux differents masques africains deviennent les visages de deux des cinq femmes nues. Cette divergence historique - artistique et philosophe, pour arriver a la conclusion, que les portraits du photographe algerien Nacer Amari, sont souvent des explorations, des fouilles archeologiques de l'esprit riche et profond de son heritage kabyle, dans le coeur et l'ame anciens et historiques de son pays, de sa culture d'origine, dans ses messages envoutants et captivants que laisse son art pour le specateur qui prend le temps de lui apprecier sa synergie, sa synesthesie, qui permet en entendre, voir et ecouter sa voix sonore, claire, agrableablement silente et audible a la fois, comme les notes et leurs pauses d'une flute dans le desert, qui nous met la vue et l'ouie vers l'horizon dans la distance, plein de defis, mais aussi plein de l'espoir, de courage, et qui affirme cette pensee de Paul Klee: "L'Art ne reproduit pas le visible, plutot, il rend visible." 

Trudi Ralston    

La recherche sur l'art du peintre Paul Klee, et de Georges Seurat et le pointillisme et sur le peintre Wassily Kandinsky, ainsi que sur le surrealisme et ses antecedents dans l'art de l'Afrique, courtoisie de Wikipedia. 

L'Appel de la Fleur: Une Reflection - dans la serie "Au - dela des Ombres de Demain"

             C'est une chose curieuse, de constater que la resistance du coeur a avoir autant avec son courage, sa volonte, sa charite determinee, qu'avec une autre energie, une autre force: celle de la vulnerabilite. Avec les annees, en observant la nature humaine, il y a un trait qui est mysterieux, enigmatique que possede le coeur dans les moments ou l'extreme joie et l'extreme detresse se rencontrent, et qui s'exprime sous forme de larmes. Les larmes deviennent dans ces moments, ou se deborde la joie, l'extase, et son contraire, le chagrin, la perte, la douleur, ces moments ou les larmes deviennent l'elixir de la catharsis, de la profonde comprehension au - dela des mots. Les larmes se melangent alors avec le rire, le sourire, le cri, le deuil, le chant, la danse, la reunion. Ce poeme cherche a comprendre cet enigme de la joie, de la douleur, et leurs rencontres douces - ameres, dans cet equilibre precaire entre les deux que doit accepter l'etre humain sur le sentier ne jamais evident qu'est la vie: 

L'Appel de la Fleur 

L'hiver s'acheve difficilement, la pluie elle insiste de faire l'epreuve a la patience, resiste d'inviter a la saison suivante, au soleil et sa lumiere, aux couleurs fraiches du printemps. 

Arrivent alors, tout doucement, les premieres fleurs, dans leurs robes joyeuses, brillantes, et le ciel bleu, les nuages blancs abondants, les nuits d'etoiles qui chantent leur amour pour la lune toute seduisante.  

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Le printemps a ses jours genereux et chauds, et ses jours ou la pluie cache la lumiere, le jeu des petales des fleurs et leurs racines encore incertaines, mais deja jubilantes. 

Entre tempetes de pluie du matin, et les mises en scene spontanees du soleil, en costume de festival, mon coeur a senti sur le visage, les gouttes de l'eau de la tempete breve, comme si elles etaient des larmes longuement reprimees, timidement rangees. 

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Cette sensation du toucher de la pluie sur mon visage, et sur les petales delicates encore des fleurs printannieres, m'a fait penser au besoin qu'a toute creature de pleurer dans les moments durs, et dans les moments de bonheurs inattendus.

Les larmes, elles sont l'appel de la fleur qu'est le coeur, et l'energie vitale qu'en symbolise la racine, qui sans ce sel chaud qui lui nourrit le sol, perd sa chaleur, son humanite, devient une pierre vide, morte, comme le sait toute fleur qui ne recoit pas assez de pluie pour assouvir sa soif, assurer sa croissance. 

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L'humilite des larmes, elles nous sauvent le danger de perdre le courage, elles gardent notre coeur sans rancune, sans arrogance, sans amertume, face aux defis que personne dans cette vie, sait evader. Les larmes de joie, de tristesse, d'espoir, de victoire, de grace, elles nourrissent la racine, et sa fleur qu'est le coeur qui decide de ne jamais perdre, dans les hauts et les bas de nos circonstances, son humanite.  

Trudi Ralston

 

 

Entre les Lignes: La Technique Durable dans "HAFIT" de Nacer Amari - dans la serie "L'Hurlement des Loups du Midi"

             La photographie a un lien historique et unique avec l'esthetique de la peinture, et ce lien s'exprime de la facon la plus intime dans la portraiture, car c'est en fait la photographie, ensemble avec la peinture et la sculpture qui a reussi de faire le pont entre l'evolution des arts visuels dans le modernisme du fin du XIXieme siecle et debut du XXieme siecle et les avances technologiques d'aujourd'hui, ces decennies d'une explosion volcanique dans les sciences numeriques qui permettent que la photographie comme art occupe une place de grande importance dans un monde qui change a une vitesse exponentielle dans tous les domaines, souvent de facon chaotique et deroutante. Pouvoir situer alors cette evolution dans le contexte de la portraiture, qui permet une vue dans le monde interieur de l'etre humain, et specifiquement dans le contexte de la portraiture dans la photographie de nos jours, est une chance de mieux comprendre le monde du XXIieme siecle, ses angoisses, ses espoirs, ses defis. Un portrait en noir et blanc du 17 fevrier 2025, "HAFIT" de la part du photographe kabyle d'Aokas, Nacer Amari de Tassi Photographie, donne cette chance, pour avoir reussi d'incorporer une technique durable dans l'evocation de son protagoniste. C'est frappant, comme ce portrait nous transporte au monde de deux artistes du mouvement de l'Age d'Or dans le Baroque, deux peintres, qui etaient aussi des graveurs de grande influence: Albrecht Durer (1471 - 1528) et Rembrandt van Rijn (1606 - 1669). Les mots du photographe introduisent le protagoniste: "Pour mon portrait "HAFIT", un homme d'Aokas, tres sage, calme, genereux, serieux et surtout tres aime par tout le monde ici a Cap Aokas." Ce portrait a gros plan, montre a Hafit dans un moment d'auto - reflexion, que le photographe rend visible, avec l'outil de l'angle du visage que souvent utilisait l'artiste des Pays - Bas, Rembrandt, ce qui donne a ce portrait une sensibilite visuelle d'une gravure, un art et sa technique que maitrisait profondement le peintre. Rembrandt, qui allait produire 300 gravures, et 2000 dessins d'une grande variete de sujets, reste fameux aussi pour ses 40 auto - portraits, une sorte d'auto - biographie visuelle, qu'il avait commencee dans sa jeunesse. Albrecht Durer aussi, laisserait un heritage riche d'auto - portaits, le premier fait a l'age de 13 ans, un dessin fait a la pointe d'argent, comme le faisait aussi Leonardo da Vinci. Les gravures de Rembrandt utilisaient dans les portraits, comme ses portraits a l'huile, l'angle qui incline le visage du protagoniste, et ceci autant dans ses auto - portraits que les portraits de ses nombreux clients et clientes: un angle qui fait que la crete du nez est la ligne de demarcation entre les parties de lumiere et celles d'ombres. Un visage dans les portraits de Rembrandt, en peinture et en gravure, est un visage partiellement eclipsee, et le nez, clair et evident, au milieu de demi - teintes a comme but d'attirer l'attention du spectateur et dramatiser la division entre un flot de lumiere, une abondance de clarte, et une penombre maussade. Cette technique du chiaroscuro, rendue fameuse par le polymathe italien Leonardo da Vinci (1452 - 1519) serait appliquee avec une passion geniale dans l'oeuvre du peintre italien Michaelangelo Merisi da Caravaggio (1571 - 1610), et est evidente dans le dynamique portrait "HAFIT" du photographe Nacer Amari. J'aime beaucoup cet effet d'une interpretation contemporaine d'une gravure que donne ce portrait dynamique, reflexif. Les gravures en fait, se pretent bien a une exploration du monde interne dans les portraits, et a partir de 1640, Rembrandt utilisait une gamme de techniques, pour mettre l'accent sur cette ambiance intime, interieure dans ses gravures de divers sujets et matieres, laissant parfois des grandes espaces du papier blanc, pour suggerer l'idee de l'espace, ou parfois pour creer un labyrinthe de lignes, comme dans plusieurs de ses auto - portraits en gravures, pour ainsi produire des tons sombres riches. 

             Cette technique de savoir rendre visible dans ses portraits l'energie vitale de ses protagonistes que domine si bien le photographe kabyle Nacer Amari, dans le cas de "HAFIT" evoque des ambiances du monde des gravures baroques et ses antecedents, qui ont une histoire qui a ses origines dans l'Antiquite, et qui nous permettra d'apprecier ainsi aussi la technique unique qu'utilise cet art pour creer ses effets et sa complexite artistique - narrative. Une gravure se fait traditionnellement en utilisant un acide fort ou "mordant" pour couper dans les parties ne pas protegees d'une surface en metal pour creer une image incisee, dite aussi "intaglio". Dans une variete de cas, cette technique de l'intaglio s'utilise aussi dans un nombre de technologies modernes, comme pour la gravure photochimique, y dans la fabrication des circuits imprimes. Les premieres evidences archeologiques de la technique de la gravure, de l'incision, fut pour des raisons decoratives, c'est a dire, pour les perles de cornaline gravees, de la civilisation de la Vallee de l'Indus, ce qui est le Pakistan et le nord - ouest de l'Inde d'aujourd'hui. Ces perles de cornaline gravees etaient trouvees dans le Cimetiere Royal d'Ur, de la Premiere Dynastie d'Ur, remontant a 3000 B.C. Ces perles sont vues comme etre une evidence importante du commerce entre la Vallee de l'Indus, la Mesopotamie et l'Egypte ancien. La technique de la gravure connue au Moyen Age en Europe, remonte possiblement a l'art de l'orfevrerie, qui remonte a l'Antiquite, pour l'utiliser dans la decoration d'armures, de gobelets. Apres une periode d'obscurite, la technique de la gravure dans les arts voit une renaissance, grandement influencee par le style de Rembrandt, entre 1850 et les annees 1920 - 1930, comme dans la serie de 100 gravures "Vollard Suite", faite entre 1930 et 1937, de l'artiste espagnol Pablo Picasso (1881- 1973).  Cette relance de l'interet dans la gravure fut possible grace a l'idee de l'edition limitee, qui reste populaire, et la gravure comme expression artistique persiste de nos jours. Le portrait "HAFIT" du photographe Nacer Amari est ainsi un exemple retro - avantgarde, pour ainsi le dire, en synchronisite harmonieuse avec la qualite durable des influences qu'a donnee et que continue de laisser visible le mouvement du Baroque et ses expressions aujourd'hui dans le style du neo - baroque autant dans la peinture, que dans la sculpture et la photographie, qui elle, reste l'etoile du Nord brillante, audace, dans le paysage artistique complexe moderniste et post - moderniste et sa raison d'etre en flux existentiel continu. Ce qui rend cet apercu discret dans le monde interieur du protagoniste "HAFIT", cette perspective entre les lignes que lui donne le photographe, avec la precision interne, reflexive d'une gravure, tres interessant, et d'une authenticite et sincerite artistique attirante.  

Trudi Ralston

La recherche sur la technique de la gravure, ses antecedents et adherents historiques, courtoisie de Wikipedia, ainsi que l'information sur les peintres Albrecht Durer, Rembrandt van Rijn, et Pablo Picasso.